World Music Festival Chicago banner
Supporting Information Facts

Department:

City Services

World Music Festival Performer Bios

World Music Festival  >  Performer Bios

 

(click on images to enlarge)

 

Aditya Prakash and Mythili Prakash - On the Theme of “Sanctuaries”

Aditya PrakashVocalist Aditya Prakash is an American-born singer with a deep foundation in the southern Indian style called Carnatic music. He grew up in Los Angeles within a family deeply committed to Indian culture: his mother Viji Prakash is the founder and director of the Shakti Dance School of Bharatanatyam. Prakash began his studies when he was just eight, and during summer and winter breaks he would travel to Chennai, India for more intensive training. When he was just 16 he performed with the legendary Pandit Ravi Shankar. His cross-cultural background has allowed him to explore various fusions including work with Karsh Kale, Anoushka Shankar and MIDIval Punditz. He studied ethnomusicology at UCLA, and his broad aesthetic has manifested itself in a number of multicultural projects drawing up influences like hip-hop, Celtic music, jazz, and flamenco, whether in J.A.S.S. Quartet, which performed at World Music Festival Chicago in 2016 or his expansive own ensemble, which collides Indian classical music with jazz voicings. He performs with his sister, the acclaimed dancer and choreographer Mythili Prakash, of whom the New York Times has written, “Ms. Prakash invokes the image of fire and its behavior: how it moves, what it means, what it gives and takes from us.” The Los Angeles native, who first studied under her mother Viji and now works under the mentorship of Malavika Sarukkai, has performed all over the world, and she appeared in Ang Lee’s award-winning film Life of Pi.

Bio in Spanish

Aditya Prakash es cantante norteamericano quien cuenta con una formación profunda en la música carnática del sur de la India. Fue criado en Los Ángeles en el seno de una familia altamente comprometida con la cultura de la India; su madre es la fundadora y directora de Shakti Dance School of Bharatanatyam. Prakash comenzó sus estudios a los ocho años de edad, y durante las vacaciones de verano e invierno comenzó a viajar a Chennai, India para recibir enseñanza más intensa. Cuando tenía apenas 16 años edad, tocó con el legendario Pandit Ravi Shankar. Sus antecedentes multiculturales le han permitido explorar diversas fusiones musicales, inclusive colaboraciones con Karsh Kale y MIDIval Punditz.  Estudió etnomusicología en la Universidad de California en Los Ángeles, y su variada estética se ha manifestado en varios proyectos multiculturales que incorporan influencias como el hip hop, la música celta, el jazz y el flamenco, ya sea con su J.A.S.S. Quartet, que se presentó en World Music Festival Chicago en el 2016, o su propio conjunto que abarca amplios estilos y brinda un encuentro de la música clásica de la India con vocalización jazzista. Se presenta en concierto acompañado de su hermana, la aclamada danzante y coreógrafa Mythili Prakash, de la cual ha escrito The New York Times “Aditya Prakash invoca la imagen del fuego: su movimiento, lo que significa, lo que nos da y lo que nos quita”. Oriunda de Los Ángeles,  estudió con su madre Viji y hoy día su asesora es Malavika Surakkai. Ha tocado en todas partes del mundo, y apareció en la premiada obra del director Ang Lee, La Vida de Pi.

Country of Origin/Based: Los Angeles, USA

Genre: Carnatic Music + Dance

Learn More:

adityaprakashmusic.com

www.youtube.com/user/adityaprakashmusic

soundcloud.com/adityaprakash

 

Alam Khan and Ambi Subramaniam with Salar Nader and Mahesh Krishnamurthy

Alam KhanYoung sarod master Alam Khan is the son of the legendary Ali Akbar Khan, who not only popularized the traditional 25-stringed fretless instrument, but also belongs in the same class as Ravi Shankar for his role in introducing the glorious beauty and complexity of Indian classical music to the western world. He studied under his father and as a teenager he regularly performed with him onstage across the US, Europe, and India. He has expanded his approach beyond traditional sounds in collaborations with artists as diverse as the Tedeschi Trucks Band, Bob Weir of the Grateful Dead, and film composer Michael Andrews. Ambi Subramaniam is also a scion of Indian classical music royalty; his father is the brilliant violinist L. Subramaniam, with whom he began his studies when he was just three and he began to perform with him just a decade later. But he’s also broken out on his own, playing within Carnatic tradition, but also collaborating with the likes of Larry Coryell, Ernie Watts and Corky Siegel. Salar Nader was born in Germany to Afghan parents, but when he was only five they moved to the San Francisco Bay Area, giving him a pan-stylistic outlook. He trained with tabla master Ustad Zakir Hussain, but his practice has made room for traditional Afghani music, jazz fusion--he’s worked with the likes of Charles Lloyd, Bela Fleck, and Herbie Hancock--and electronic music. He also works regularly with Kronos Quartet and he composed the original music for the celebrated Afghani film The Kite Runner. He’s also a member of the fascinating rap-Indian classical music group Grand Tapestry, which also performs on this year’s festival. The ensemble is rounded out by the elder statesman on mridangam, Mahesh Krishnamurthy.

Bio in Spanish

El joven maestro del sarod Alam Khan es hijo de legendario Ali Akbar Khan, artista quien no solamente hizo popular este instrumento tradicional de 25 cuerdas y sin trastes, pero quien también merece ser reconocido al igual que Ravi Shankar por el papel que ha jugado en llevar al mundo occidental la gloriosa belleza y complejidad de la música clásica de la India. Estudió con su padre y de adolescente compartió escenarios con él en los Estados Unidos, Europa y la India. Sus horizontes musicales abarcan mucho más que los sonidos tradicionales, y ha colaborado con artistas tan diversos como Tedeschi Trucks Band, Bob Weir de Grateful Dead y el compositor de banda sonoras Michael Andrews. Ambi Subramaniam también es miembro de la realeza musical de la música clásica de la India; su padre es el brillante violinista L. Subramaniam, con quien comenzó a estudiar cuando apenas tenía tres años de edad y luego compartió escenario con él a los 10 años de edad. Pero a la par también se ha establecido por sí mismo, no solo tocando dentro de la tradición carnática sino también colaborando con artistas de tal calibre como Larry Coryell, Ernie Watts y Corky Siegel. Salar Nader nació en Alemania de padres afganos, pero cuando tenía cinco años su familia se mudó al área de San Francisco, lo que de manera similar a Prakash, le da la perspectiva de múltiples estilos. Se capacitó con el maestro de tabla Ustad Zakir Hussain, pero en su música incorpora música tradicional afgana, fusión jazzística (ha trabajado con músicos tales como Charles Lloyd, Bela Fleck, y Herbie Hancock), y música electrónica. También trabaja con regularidad con Kronos Quartet y compuso la música original para The Kite Runner, célebre película afgani. Además, es integrante de The Grand Tapestry, banda que une la música clásica de la India con el rap y que también se presenta en el festival de este año. El conjunto también incluye al joven artista de mridangam, Mahesh Krishnamurthy.

Alam Khan + Salar Nader Country of Origin/Based: Los Angeles + Bay Area, USA

Genre: Hindustani, saroda + table

Learn More:

www.alamkhan.com

www.facebook.com

 

Anjali Ray

Anjali RayAnjali Ray was born and raised in New Delhi, India, but she moved to the US with her family when she was 10. In the years since she’s been a glowing example of this country’s rich multi-cultural brew, retaining a strong connection to her homeland through her practice in Hindustani classical singing. But she’s also been a student of western classical music on the piano, and a burgeoning jazz musician. Her main artistic focus these days, working both in Chicago and Los Angeles, embraces a polished pop sound deeply informed by these building blocks. Her album Indigo Boy has achieved enthusiastic praise for its sophisticated hybrid of seductive melody influenced by the likes of Sarah MacLachlan and Tori Amos, chilled grooves, and soulful singing, all caressed with instrumental flourishes borrowed from India. As Cory Frye of Indie Music Reviews has written, “The Indian factor makes this one all it can be, I can imagine a bonfire burning with Indian drummers sitting around in a circle with Anjali singing in the round. It’s a masterstroke, simply mind blowing in every way.” But there’s more to Ray’s music than pop. Today she’ll be sharing her mastery of Indian classical music, but remaining true to her own creative impulses, she allows some of her more mainstream tendencies to seep into her work, offering listeners an ideal and inviting pathway to experience the rigor and splendor of Hindustani tradition. Her program with evoke the tradition by using the lens of Bollywood films, recasting those indelible, infectious melodies in a sparse setting where she’s joined only by tabla player Rishi Thakkar and harmonium player Anis Chandnani.

Bio in Spanish

Anjali Ray nació y se crió en Nuevo Delhi, India, pero se mudó a los Estados Unidos con su familia a los 10 años de edad. A partir de esa fecha se ha vuelto ejemplo estelar del rico crisol multicultural de este país, manteniendo una conexión fuerte a su tierra natal a través del canto clásico hindustaní. Más también ha estudiado la música clásica occidental y el piano, y es artista jazzista emergente. Su enfoque artístico principal actual en su trabajo tanto en Chicago como Los Ángeles se centra en un sonido de pop sofisticado que construye sobre estas piedras angulares musicales. Su álbum Indigo Boy fue recibido gran entusiasmo de parte de los críticos, por ser un híbrido sofisticado de melodías seductoras influenciadas por artistas tales como Sarah MacLachlan y Tori Amos, sonidos chill y canto con soul, a lo que añade suaves toques instrumentales de la India. Como reflexionó Cory Frye de Indie Music Reviews,  “El elemento de la India convierte esto en todo lo que pudiera ser. Me puedo imaginar una fogata rodeada de percusionistas de la India acompañando el canto de Anjali. La obra es un increíble golpe maestro en todos los sentidos, simple y sencillamente asombrosa”. Pero la música de Ray tiene mucho más sentido que el pop. Hoy compartirá con nosotros su dominio de la música clásica de la India, más sin perder la autenticidad de sus propios impulsos creativos, incorpora algunas corrientes musicales más conocidas que le ofrecen al público la manera ideal de experimentar el rigor y el esplendor de la tradición hindustani. El programa que presentará evoca la tradición filtrada a través de las películas de Bollywood, interpretando esas melodías inolvidables y contagiosas en un contexto elegante en el cual se unen a ella el artista de tabla Rishi Thakkar y el músico de armonio Anis Chandnani.

Country of Origin/Based: India

Learn More:

www.anjaliray.com

www.facebook.com

www.youtube.com

soundcloud.com/anjalirmusic

 

Alfonso Ponticelli & Swing Gitan

Alfonso Ponticelli & Swing GitanVeteran Chicago guitarist Alfonso Ponticelli has reigned supreme as the city’s greatest exponent of jazz manouche, the so-called “Gypsy Jazz” popularized by the brilliant French guitarist Django Reinhardt. Although the guitarist is also an award-winning master of the mountain dulcimer and has played the Australian didgeridoo at Symphony Center, his true passion is the sound immortalized by Reinhardt in the 30s with the great violinist Stephane Grappelli in their Quintette du Hot Club de France. The guitarist’s fiery band Swing Gitan has mastered that hard-swinging sound, with a lineup featuring some of Chicago’s greatest musicians: violinist Steve Gibons, bassist John Bany, reedist Eric Schneider, drummer Bob Rummage, oudist and guitarist Rami Gabriel, and cimbalom player Alex Udvary. Still, as much as Reinhardt is a key inspiration, Ponticelli has made it his mission to expand the repertoire, connecting this particular French sound to the larger Romani musical landscape, whether touching on Spanish flamenco or Eastern European folk material. He’s also the organizer of the annual Gypsy Jazz Festival, now in its 14th year, which occurs every fall at the Green Mill, where Ponticelli and his mad swingers also hold court every Wednesday evening. As Tribune critic Howard Reich has written of the band, “There's no question, though, that Swing Gitan gravitates around guitarist Ponticelli, who brings a distinctly contemporary rhythmic drive and tonal brilliance to classic gypsy jazz. In lead-guitar passages, Ponticelli proved as melodically inventive as he was technically adept. In rhythm-guitar work, he often pushed this music to the point of near-frenzy.” In 2013 Ponticelli and Swing Gitan were chosen as Chicago’s best jazz band in the Chicago Reader.

Bio in Spanish

El veterano guitarrista chicagoense Alfonso Ponticelli ha reinado supremo como el más importante exponente chicagoense del jazz manouche, también denominado “jazz gitano” y popularizado por el brillante guitarrista francés Django Reinhardt. Aunque el guitarrista es además maestro premiado del dulcémele de montaña y ha tocado el didgeridoo australiano en Symphony Center, su verdadera pasión es el sonido inmortalizado en la década de los treintas por Reinhardt junto con el gran violinista Stephane Grappelli en su Quintette du Hot Club de France. Swing Gitan, su banda que se caracteriza por tocar con gran intensidad, domina ese potente swing y cuenta como integrantes algunos de los más grandes músicos de Chicago: violinista Steve Gibons, bajista John Bany, Eric Schneider quien toca varios instrumentos de viento, baterista Bob Rummage, laudista y guitarrista Rami Gabriel, y artista del címbalo Alex Udvary. Sin embargo, aunque Reinhardt es una inspiración clave, Ponticelli se ha dedicado a extender el repertorio, relacionando este particular sonido francés al paisaje sonoro más extenso romaní, ya sea incorporando al flamenco español o material folclórico de Europa oriental. También ha organizado el Gypsy Jazz Festival, actualmente en su decimocuarto año, que se realiza en el Green Mill, club donde Ponticelli y su banda tocan cada miércoles por la noche. Como el crítico del Tribune Howard Reich ha escrito de la agrupación, “No hay ninguna duda, sin embargo, que Swing Gitan gira alrededor de el guitarrista Ponticelli, quien trae un impulso rítmico netamente contemporáneo y una tonalidad brillante a lo que es el jazz gitano clásico. Al tocar como guitarrista principal, Ponticelli muestra que su innovación y recursividad a nivel melódico igualan su alto nivel de tecnicismo. En trabajo rítmico como guitarrista, impulsa esta música a un punto casi frenético”. En el 2012, a Ponticelli y Swing Gitan fueron elegidos la mejor banda de jazz de Chicago por el Chicago Reader.

Country of Origin/Based: Chicago, IL

Learn More:

www.swinggitan.com

www.facebook.com/ChicagoGypsyJazz/

 

Africa HI-FI

Between 2004-2009 legendary Chicago house DJ Ron Trent and promoter and host Sonia Hassan ran one of the most revered and open minded club nights in town called Africa HI-FI, a project present at spots like HotHouse and Sonotheque that kept its focus squarely on the dance floor but fearlessly expanded the spotlight to examine both the roots and Diaspora of black music in the US. As Trent told the Chicago Reader last year, “We were like, 'Ain't nobody's doing an Afrobeat party here.’ Africa is the cultural hub of all other forms of music. The DNA starts there . . . dance music, jazz, all these sort of things." Indeed, his epic parties may have been inspired the funky sound of Fela Kuti’s Afrobeat, but under Trent’s sophisticated spinning and mixing the extended sets offered a carefully woven fabric of rhythms and styles, melded seamlessly—rather than highlight differences and shifts over decades, he brilliantly focuses on the connections. The night embraced a pointed social activist slant, thanks in particular to Hassan’s Egyptian ancestry; they raised money for various causes and used specific theme nights to celebrate the legacies of figures as disparate as Jean-Michael Basquiat and Martin Luther King, Jr. Over the years many prestigious guests sat in with Trent, whether singer Jody Watley or European DJ and producer François Kervorkian, appearances that only enhanced the party’s global vibe. Last year, responding to growing public demand, the party returned after a seven-year absence with a triumphant set to close out the Harper Court Summer Music Series in Hyde Park, where DJ Joe Bryl and singer-songwriter Sam Trump joined it. If you missed that special event, consider yourselves lucky—you’ve got another chance.

Bio in Spanish

Del 2004 al 2009, el legendario DJ de música house Ron Trent y la locutora y promotora Sonia Hassan presentaron África HI-FI, una de los noches de club más reconocidas y más abiertas de la ciudad, Era el tipo de proyecto que también vimos en sitios como HotHouse y Sonotheque, y cuyo enfoque central es la pista de baile pero a la par hacer una exploración audaz de las raíces y la diáspora de la música afroamericana de los Estados Unidos. Como le dijo Trent al Chicago Reader el año pasado, “Dijimos, aquí no hay nadie que esté haciendo fiesta de house. África es el eje central de todo tipo de música. Allí está el ADN ... música bailable, el jazz, todo ese tipo de cosas”. De hecho, las veladas épicas de Trent quizás se inspiraban en el sonido con funk del afrobeat de Fela Kuti,  pero los sets extensos y sofisticados que tocaba Trent eran un constante tejido musical intercalado que creaba cuidadosamente de diferentes ritmos y estilos, sin marcar diferencias y cambios a lo largo de las décadas. Al contrario, de manera brillante hilaba los puntos comunes. Las veladas también tenían una perspectiva marcadamente activista en cuanto a la justicia social, sobre todo debido a la ascendencia egipcia de Hassan. De hecho, recaudaron fondos para varias causas y algunas noches celebraban en particular los legados de figuras tan distintas como Jean-Michael Basquiat y Martin Luther King Junior. A lo largo de los años una gran cantidad de artistas prestigiosos se presentaron al lado de Trent, por ejemplo, la cantante Jody Watley y el DJ/Productor europeo François Kervorkian, invitados que ampliaban la vibra de club global. El año pasado, en respuesta a una demanda creciente por parte del público, la fiesta regresó después de siete años de ausencia con un set triunfante en el que participaron DJ Joe Bryl y el cantautor Sam Trump, cerrando Harper Court Summer Music Series en Hyde Park, Si se perdieron ese gran evento, se pueden considerar afortunados ya que se les está brindando otra oportunidad.

Country of Origin/Based: Chicago, IL

Learn More:

www.residentadvisor.net/dj/rontrent

 

Anindo Chatterjee with Anubrata Chatterjee

Anindo ChatterjeeAnindo Chatterjee, a student of Pandit Jnan Prakash Ghosh, is one of Indian classical music’s greatest tabla players. During his career he’s performed with many of the tradition’s greatest instrumentalists including Imrat Khan, Ravi Shankar, Shahid Parvez, Manilal Nag, Amjad Ali Khan, Hariprasad Chaurasia, and Shivkumar Sharma, among others. In 2009 he established the Anindo Chatterjee Institute of Tabla in Seattle, Washington, which has worked with more than 6000 students since it opened. As with several performances that are part of this year’s Ragamala, he’s joined by one of his most devoted students—his son Anubrata, also on tabla. Before his father took over his education, however, he was the last student under the master Deshkottam Jnan Prakash Ghosh. Anubrata has accompanied many of the music’s most important instrumentalists including Parvez, Sharma, Ustad Amjad Ali Khan,  and T.H. Vikku Vinayakram. He has also taught at the New York branch of his father’s school.

Bio in Spanish

Anindo Chatterjee, estudiante de Pandit Jnan Prakash Ghosh, es uno de los artistas de tabla más importantes de la música clásica de la India. A lo largo de su carrera se ha presentado con los más importantes instrumentistas de la tradición, incluyendo, entre otros, Imrat Khan, Ravi Shankar, Shahid Parvez, Manilal Nag, Amjad Ali Khan, Hariprassad Chaurasia, y  Shivkumar Sharma. En el 2009 estableció el Anindo Chatterjee Institute of Tabla en Seattle, Washington al que han asistido más de 6000 estudiantes desde que se inaugurara. Al igual que varias otros conciertos que forman parte de Ragamala de este año, lo acompañará en el escenario uno de sus estudiantes más dedicados— su hijo Anubrata, también tocando la tabla. Antes de que su padre se hiciera cargo de su formación musical, sin embargo, fue uno de los últimos estudiantes del maestro Deshkottam Jnan Prakash Ghosh. Anubrata ha compartido escenario con muchos de los músicos más importantes de la tradición, incluyendo Parvez, Sharma, Ustad Amjan Ali Khan y T.H. Vikku Vinayakram. También ha impartido clases en la sucursal de la escuela de su padre en Nueva York.

Country of Origin/Based: New York City | India

Genre: Hindustani - Tabla Duet

Learn More:

schooloftabla.viewcy.com

 

Beats y Bateria

This dance floor-filling quartet from Chicago provides ample evidence that New York is hardly the only melting pot in the US. The heart of the project comes from the unlikely collision of Cuban-born producer and DJ AfroQbano and the Moldavian jazz singer—with an abiding love for Portuguese fado—Ana Munteanu, and together they deliver a hybrid sound much grander and more diverse than their collective ethnic backgrounds would suggest. Put simply, this duo loves music from all over the globe, and together they casually sweep together a world of influences in one single, remarkably cogent project. Beats y Bateria are aided immeasurably in that task by multi-instrumentalist Patrick Donley and drummer Daniel Crane. Although the group has only shared a handful of studio efforts thus far, where one can detect a harmonious blend of fado, Spanish flamenco, Greek rembetika, and Cuban rumba, all complemented with bits of electronic dance music and modern pop melodies, its live performances have been making converts with growing frequency, as the cauldron of ingredients keeps expanding and the mixture of disparate ideas becomes more assured, with a dynamic mixture of live instrumentation, samples, and electronic beats.

Bio in Spanish

Este cuarteto de Chicago mantiene llenas las pistas de baile y comprueba que New York no es de ninguna manera el único crisol cultural en los Estados Unidos. El núcleo central del proyecto nace de la sorpresiva unión del DJ/Productor AfroQbano, quien nació en en Cuba, y Ana Munteanu, cantante jazzista de Moldavia, quien manifiesta una pasión constante por el fado portugués. Juntos presentan un sonido híbrido mucho más extenso y mucho más diverso de lo que uno supondría basados en los antecedentes étnicos de ellos. Sencillamente dicho, a este dúo le encanta la música de todas partes del planeta, y de manera casual une todo un mundo de influencias en un proyecto singular y coherente. La propuesta musical recibe la ayuda incalculable del multi instrumentalista Patrick Donley y el baterista Daniel Crane. A la fecha, el grupo solamente ha lanzado un par de grabaciones en estudio, en las que se detecta una mezcla armoniosa del fado, el flamenco español, la rebética griega y la rumba cubana, con elementos complementarios de la música electrónica de baile y melodías de pop contemporáneo. Sin embargo, las actuaciones en vivo les van ganando cada vez mayor público, ya que la caldera de ingredientes se extiende constantemente y la variedad de ideas diversas en una mezcla dinámica de instrumentos en vivo, sampling, y beats electrónicos, se torna cada día más confiada y segura.

Country of Origin/Based: Chicago, IL

Learn More:

www.facebook.com/BeatsyBateria/

beatsybateria.bandcamp.com

 

Betsayda Machado y La Parranda El Clavo

Betsayda Machado y La Parranda El ClavoThis engagement of Betsayda Machado y La Parranda El Clavo is made possible through Southern Exposure: Performing Arts of Latin America, a program of Mid Atlantic Arts Foundation in partnership with the National Endowment for the Arts.

The powerhouse singer Betsayda Machado brings the sound of Afro-Venezuelan culture to Chicago this year, introducing a rich, polyrhythmic sound as soulful as it is irresistible. The vocalist grew up in the small Caribbean coastal town of El Clavo in the Barlovento region within a tight-knit community of descendants of African slaves who toiled on the cocoa plantations that once dominated the region. Although Machado now lives in the capital city Caracas—where she’s built a thriving solo career that’s found her working in various contexts including the world’s of jazz and salsa--she’s maintained close ties to her hometown, and she still performs with La Parranda El Clavo, a living link to the area’s musical heritage that’s been active for more than three decades. She launched her career with them back in the late 80s. The group performed in New York earlier this year, inspiring Jon Pareles of the New York Times to write, “With Ms. Machado’s forthright voice answered by her group’s close harmonies and carried by all sorts of percussion — drums large and small, scrapers, shakers, castanets — the group performed songs about saints, dancing, slavery and the hard lives of the cocoa-plantation workers who originally sang parranda. The costumes were brightly patterned; dancers had light, quick steps that barely seemed to touch the stage.” Her commanding voice effortlessly melds the throat-grabbing power of R&B while tapping into a ritualistic intensity. Apart from her voice and the responding harmonies delivered by her band, there’s nothing to propel the music except a phalanx of percussion. Machado doesn’t need anything else to connect with listeners.

Bio in Spanish

La increíblemente potente cantante Betsayda Machado trae el sonido de la cultura afrovenezolana a Chicago este año, presentando un sonido polirrítmico tan irresistible como lleno de soul. La cantante nació en un pequeño pueblo caribeño llamado El Clavo, situado en la región de Barlovento en la costa de Venezuela. Se crió en el seno de una comunidad unida cuyos miembros son descendientes de esclavos africanos quienes laboraban en las plantaciones de cacao que en épocas anterior dominanaran la región. Machado ahora vive en la capital de Caracas, ciudad en la que ha construido una carrera sólida como solista y gracias a la cual trabaja en varios contextos musicales incluyendo la música del mundo, el jazz y la salsa. Sin embargo, mantiene vínculos cercanos a su pueblo natal, y todavía canta con La Parranda El Clavo, nexo vivo al legado y la herencia musical de la región, conjunto que se ha mantenido activo por más de tres décadas. Machado lanzó su carrera con La Parranda a final de la década de los ochentas. El grupo se presentó en Nueva York a principios de este año, lo cual motivó a Jon Pareles del New York Times a comentar, “Acompañando la voz tan directa de Betsayda Machado y la respuesta de las armonías intrincadas del conjunto, impulsados por todo tipo de percusión desde tambores grandes y pequeños, raspadores, maracas y castañetas, la agrupación cantó acerca de los santos, los bailes, la esclavitud y las vidas duras de los trabajadores en las plantaciones de cacao, quienes fueron los primeros en cantar parranda. Vestidos de brillantes colores y diseños, los danzantes se movían con pasitos ligeros y rápidos y parecían apenas pisar en el escenario”. La voz increíble de Machado une sin ningún esfuerzo la potencia del R&B mientras al mismo tiempo aproxima una intensidad ritual. Aparte de su voz y la respuesta en armonía que aporta la banda, no hay nada que impulse la música además de su eje percusivo. Machado no necesita más para crear conexión con el público.

Country of Origin/Based: Venezuela

Genre: Afro-Venezuelan Soul + Parranda

Learn More:

betsayda.com

www.instagram.com/betsaydamachado/

 

Bitori

BitoriVictor Torres, who’s better known as Bitori, didn’t enter the recording studio for the first time until he’d reached the ripe old age of 59, back in 1997. He went on to make a debut album that provided a serious jolt in the Cape Verde Islands, where funaná, the accordion-driven style he’d long mastered, was already one of the most popular regional dance styles. As a teenager Bitori traveled far south in the Pacific Ocean to Sao Tomé and Principe—like his homeland, another one-time Portuguese colony--to find work and buy his own accordion. Two years later, goal achieved, he taught himself the rudiments of the instrument on the long trek home. Unfortunately, colonial powers suppressed local folklore, and funaná music, with it’s surging squeezebox melodies, brisk polyrhythms, and avuncular, joyful singing, began to disappear, and it wasn’t until 1975, when Cape Verde gained its independence, that the music came roaring back, although it remained a live phenomenon—the music wouldn’t be recorded until the early 90s. By then an enterprising young singer named Chando Graciosa, enraptured by Bitori’s playing, convinced the accordionist to travel with to Europe, to introduce the music to a new audience; they enjoyed great success before Bitori returned home. Graciosa chose to settle in Rotterdam, but he didn’t give up the collaboration, and in 1997 he brought the accordionist back where they went on to record Bitori Nha Bibinha, which made Bitori a major star at home. Last year the great Analog Africa gave the album its long overdue international release as Legend of Funaná (The Forbidden Music of Cape Verde Islands), followed by Bitori’s return to Europe as a newly minted world music great. Now Bitori and Graciosa are setting out to make their North American debut, bringing them to Chicago for the first time and letting us experience the rustic dance music in its purest form.

Bio in Spanish

Víctor Torres, conocido por su nombre artístico de Bitori, no entró por primera vez al estudio de grabación hasta 1997, ya habiendo llegado a la venerable edad de 59 años. Su primer álbum fue todo un éxito en las islas de Cabo Verde, donde el funaná, música de baile impulsada por el acordeón de la cual era ya maestro desde hace mucho tiempo, era uno de los estilos de baile regionales de mayor popularidad en la zona. De adolescente, Bitori viajó lejos a San Tomé y Príncipe al sur del Océano Pacífico, país que al igual que su tierra natal había sido colonia portuguesa, para encontrar trabajo y comprar su propio acordeón. Dos años después, en el transcurso del largo viaje de regreso a casa cuando ya había logrado su objetivo, se enseñó a sí mismo a tocar el instrumento de manera rudimentaria. Desafortunadamente, las autoridades coloniales habían suprimido la música folclórica local y la música de funaná con sus melodías ebullientes, veloces poliritmos y cantares alegres de buen espíritu comenzaba a desaparecer. No fue hasta 1975, año en el que Cabo Verde se independizó, que la música regresaría triunfante, aunque seguía siendo un fenómeno de música en vivo. La música no sería grabada hasta principios de la década de los noventa. Para entonces, un cantante joven llamada Chando Graciosa, cautivado por la manera de tocar de Bitori, convenció al acordeonista que viajaran juntos Europa para presentarle la música a un público nuevo. Tuvieron enorme éxito antes de que Bitori regresara a casa. Graciosa decidió quedarse vivir en Rotterdam, pero no perdió vista de la colaboración y en 1997 trajo otra vez al acordeonista para allí grabar Bitori Nha Bibinha, álbum que haría de Bitori una gran estrella en su tierra natal. El año pasado el gran sello disquero Analog Africa le dio al álbum Legend of Funaná (The Forbidden Music of Cape Verde Islands) el lanzamiento internacional que ya desde hace tiempo ameritaba; a esto siguió el regreso exitoso de Bitori a Europa en calidad de recién descubierta leyenda de la música del mundo. Ahora Bitori y Graciosa se presentan por primera vez en Chicago como parte de su debut en América del Norte, lo que nos permitirá experimentar esta música rústica de baile en su forma más pura.

Country of Origin/Based: Cape Verde

Genre: Funana

Learn More:

www.facebook.com/BitoriMusic/

analogafrica.bandcamp.com

 

Bharath Symphony

Dr. Lakshminarayana SubramaniamWorld Music Festival Chicago celebrates the 70th anniversary of India’s independence with the world premiere of Bharath Symphony, a stunning new orchestral epic composed by the brilliant Indian classical violinist L. Subramaniam. The project was commissioned by the Chicago Department of Cultural Affairs and Special Events (DCASE) and it promises not only to be a highlight of this year’s festival, but a classic for years to come—it’s already been programmed later in 2017 by London’s influential Barbican Centre with the London Symphony Orchestra. The four-movement work was conceived to honor a relatively modern achievement, but its scope is much vaster, an ultra-rich history of Indian classical music. The work opens with a section that incorporates chants from the sacred Sanskrit text called the Rigveda, believed to date back 5000 years. As the symphony unfolds the second movement examines the collision of Islamic and Mughal elements in the music with the introduction of Hindu instruments like the tabla; the third movement will explore the way European influences brought orchestral instruments such as the violin into Indian traditions; finally, the last movement will embrace the modern developments that have arisen in the wake of independence. Joining Subramaniam is an all-star cast including the acclaimed Bollywood singer Kavita Krishnamurti—who is also fluent in classical traditions--master percussionists Tanmoy Bose, Radhakrishnan Narayanaswamy, and Mahesh Krishnamurthy, slide guitar pioneer Debashish Bhattacharya, and the composer’s own daughter Bindui, an accomplished singer. For the Chicago performance the elite soloists will be joined by the Elmhurst College and Community Philharmonic Orchestra.

Bio in Spanish

World Music Festival Chicago celebra el septuagésimo aniversario de la independencia de la India con el premier mundial de Bharath Symphony, impactante nueva obra orchestral épica compuesta por L. Subramaniam, brillante violinista de la música clásica de la India. El proyecto fue comisionado por el Chicago Department of Cultural Affairs and Special Events (DCASE) y promete ser no solamente uno de los momentos más sobresalientes del festival del año actual sino además convertirse en leyenda para años futuros. La obra ya ha sido programada para ser presentada posteriormente en el 2017 con la Sinfónica de Londres en el prestigioso Barbican Centre. En cuatro movimientos, fue concebida en homenaje a un logro relativamente moderno, pero su perspectiva es mucho más vasta, siendo una historia sumamente rica de la música clásica de la India. La obra abre con un movimiento que incorpora cantos del Rigveda, texto sagrado compuesto en sánscrito, que se considera originó hace más de 5000 años. La sinfonía se desenvuelve en el segundo movimiento, el cual examina el choque de elementos islámicos y mogoles en la música a través de la introducción de instrumentos hindúes como la tabla. El tercer movimiento explora la manera en la que las influencias europeas trajeron instrumentos de orquesta tales como el violín y los incorporaron a las tradiciones de la india. Y finalmente, el último movimiento abarca los desarrollos modernos que han surgido en la era del independencia. Un elenco estelar acompaña a Subramaniam, incluyendo Kavita Krishnamurti, cantante aclamado de Bollywood, quien también domina el repertorio de canciones clásicas, Tanmoy Bose, Radhakrishnan Narayanaswamy y Mahesh Krishnamurthy, percusionistas magistrales, Debashish Bhattacharya, pionero de la guitarra slide, y Bindui, hija del compositor y cantante extraordinaria. Para la función en Chicago estos solistas extraordinarios serán acompañados por Elmhurst College y Community Philharmonic Orchestra.

 

Chicago Gypsy Jazz Festival & Caravan Art Festival

This multifarious musical extravaganza has been organized by the enterprising Chicago guitarist Alfonso Ponticelli, whose own impeccable Jazz Manouche band, Swing Gitan, are among the attractions (see entry elsewhere). It’s an extension of the wildly popular Gypsy Jazz Festivals he organizes annually at the Green Mill, bringing together some of the greatest disciples of guitarist Django Reinhardt and violinist Stephane Grappelli in the world. Joining Swing Gitan are the veteran Madison, Wisconsin band Harmonious Wail, a polystylistic vocal jazz trio that expands the parameters of Gypsy Jazz with a host of other ingredients—whether folk-rock, Yiddish song, entries from the Great American Songbook, and even a Feist cover. The intimate rapport developed by mandolinist Sims Delaney-Potthoff, singer Maggie Delaney-Potthoff, and bassist Jeffo Weiss has been developed over a career stretching back two decades—such a tight-knit sound couldn’t be faked. The bill  is rounded out by New York’s Sara Labriola Quartet, led by a rising virtuoso of the American Gypsy Jazz scene. At the mere age of 18 she’s already shared the stage with the likes of Stochelo Rosenberg, Al Di Meola and Stephane Wrembel.

Bio in Spanish

Esta variada extravagancia musical ha sido coordinada por el innovador guitarrista chicagoense Alfonso Ponticelli, cuyo impecable conjunto de jazz manouche, Swing Gitan, es otra de las atracciones del festival. Es una extensión del sumamente popular festival de jazz que organiza anualmente en el Green Mill en el cual se presentan algunos de los más grandes discípulos del mundo del guitarrista Django Reinhardt. Harmonious Wail, conjunto veterano de Madison, Wisconsin, comparte escenario con Swing Gitan. Es un trío que domina múltiples estilos musicales y extiende las fronteras del jazz gitano añadiendo una serie de ingredientes como el rock folklórico, el canto hebreo, temas del gran cancionero norteamericano, y hasta interpretan una canción de Feist. El íntimo intercambio musical entre el mandolinista Sims Delaney-Potthoff, la cantante Maggie Delaney-Potthoff, y el bajista Jeffo Weiss se ha desarrollado a nivel profesional a lo largo de más de dos décadas y el sonido que crean no se puede inventar. La cartelera incluye el cuarteto de Sara Labriola de Nueva York, dirigido por esta estrella emergente de la escena del jazz gitano norteamericano. Con escasos 18 años de edad, Labriola ya ha compartido el escenario con artistas tales como Stochelo Rosenberg, Al Di Meola y Stephane Wrembel.

 

Duo Scofano-Minetti

The sublime duo of bandoneon maestro Richard Scofano and pianist Alfredo Minetti presents a sophisticated and restrained spin on Argentina’s dominant musical styles, the tango and the chamamé. Born in Pasos de los Libres, Argentina, Scofano began his studies on the bandoneon—a squeezebox popular in South America--at the age of five, learning under the tutelage of his father Ricardo, and while his curiosity led him to explore the music of neighboring countries like Brazil and Paraguay, the music of Argentina remained his focus; at 18 he became the lead bandoneonist in the Folkloric Orchestra of Corrientes. He possesses a deeply modern aesthetic akin of the great Tango Nuevo pioneer Astor Piazzolla. Minetti was born in neighboring Uruguay and but when he was six his family moved to Argentina. He eventually left for Rio de Janeiro for university, and he eventually earned a PhD in anthropology at Indiana University, but the music of his adopted homeland has remained his primary artistic preoccupation. Duo Scofano-Minetti brings a dazzling, chamber-like intimacy to the forms, with deft interplay and a gentle touch that nonetheless delves deep into the rhythmic complexities of each related style. To further his engagement with tango, Minetti formed a music-and-dance ensemble called This is Tango Now which balances performance with educational pursuits. As heard on the duo’s lovely 2016 album Estaciones, which mixes classic repertoire and original compositions by Scofano, the pair play with the refined delicacy of classical music achieving a rare elegance in their collective touch and taste in instrumental voicings.

Bio in Spanish

El sublime dúo de bandoneón del maestro Richard Scofano y el pianista Alfredo Minetti presenta un punto de vista sofisticado y contenido del tango y el chamamé, los estilos musicales predominantes de la Argentina.  Scofano nació en Pasos de los Libres, Argentina y comenzó sus estudios de bandoneón (un instrumento musical de viento parecido al acordeón, de gran popularidad en América del Sur) con su padre Ricardo a la edad de cinco años. Aunque su curiosidad lo llevó explorar la música de países vecinos como Brasil y Paraguay, la música de Argentina siempre permaneció su enfoque central; a los 18 años de edad llegó a ser el bandoneonista principal de la Orquesta Folklórica de Corrientes. Posee una estética profundamente moderna afín a la de Astor Piazzolla, gran pionero del tango nuevo. Minetti nació en el país vecino de Uruguay, pero a los cinco o seis años de edad, su familia se mudó a la Argentina. A final de cuentas, él se mudó a Río de Janeiro por motivo de sus estudios universitarios y a la larga obtuvo su doctorado en antropología en Indiana University, pero siempre mantuvo la música de su país adoptivo en el centro de su enfoque artístico. El Dúo Scofano-Minetti le brinda una intimidad deslumbrante a las configuraciones musicales, a través de un hábil intercambio y toque delicado que profundiza en las complejidades rítmicas de cada uno de estos estilos relacionados. Para profundizar su compromiso con el tango, Minetti fundó un conjunto de música y danza llamado This is Tango Now cuyas propuestas incluyen no solo conciertos sino proyectos de docencia. Tal y como escuchamos en Estaciones, álbum del 2016 que mezcla repertorio clásico y composiciones originales de Scofano, el dúo toca con la delicadeza refinada de la música clásica y logra una elegancia inusual en las voces instrumentales que nos brindan. 

Country of Origin/Based: Argentina

Genre: Argentine Tango

Learn More:

www.facebook.com/scofanominetti

 

Elmhurst College Philharmonic Orchestra and Elmhurst Community Singers

Elmhurst College Philharmonic Orchestra and Elmhurst Community SingersThe Elmhurst College Philharmonic Orchestra held its first annual World Music Festival in 2011 at the encouragement of guest lecturer Srini Krishnan, Headmaster of the School of Music in Chennai, India that was founded by A.R. Rahman, composer of Slum Dog Millionaire. That festival was such a great success that it subsequently became a regular event on campus, transforming into a series in 2013 with multiple events throughout the academic year. Featured programs have included “Global Rhythms–Music of India,” “Olé! The Musical Influence of Spain,” “RUSSIA!” “The Joanne MayMusic of Brazil, Italy, & France,” and “KONTRAS! Music of Contrasts.” Guest artists have included Celtic fiddler Liz Carroll, steelpan player Liam Teague, Russian cellist Ian Maksin, Mullane Healey Godley Irish Dancers, and the Mexican band, Mariachi Real de Jalisco. Important in choosing music for the Elmhurst World Music Festivals has been the requirement that the Philharmonic Orchestra be included in the performances. Many world music festivals feature soloists and small ensembles, but the Elmhurst festival always seeks to include a fusion of music that can be performed by a traditional symphony orchestra with music that is indigenous to the particular culture. Dr. L. Subramaniam, composer of Bharath Symphony, has done just this – he has written a beautiful work depicting the history of India, incorporating the sounds, colors, and textures of the traditional symphony side by side with singers and instrumentalists particular to India. Tabla, solo Indian voice, guitar, classical Indian violin, and folk tunes of India are beautifully intertwined into the landscape of the symphony throughout this work. Under the direction of Professor Joanne May, the Elmhurst Philharmonic Orchestra and Elmhurst Community Singers are comprised of Elmhurst College students and faculty members, as well as a number of talented community members. The performers have rehearsed throughout the summer to prepare for this Chicago World Music Festival Concert.

 

Eva Salina

Eva Salina grew up in Santa Cruz, California, which is not the most likely place to produce one of America’s most skilled and soulful interpreters of Balkan music. As a child she fell in love with a tape of Yiddish songs and when her parents came up empty finding her a teacher skilled in the tradition, they instead found an instructor in Balkan songs, setting Salina off on an unlikely path, but one in which she now mentors others in the tradition with private lessons in Brooklyn, New York, where she now lives. She also leads the eclectic vocal ensemble the Jalopy Chorus, where Eastern European harmony collides with Irish and American folk, old-time sounds, and even bluegrass. But her greatest interest is straight-up Balkan sounds. She leads a dramatic duo with the Serbian/Romanian Romani accordionist Peter “Perica” Stan, singing traditional songs with bracing directness and emotional purity, but thus far the apotheosis of her career has to be her remarkable 2016 album Lema Lema: Eva Salina Sings Saban Bajramovic, on which she puts her own modern spin on the music of the singular Serbian singer—perhaps one of the most legendary figures in all of Balkan music, a vocalist who seamlessly blended the joyous release music provided by song with the bruising tragedy, betrayal, and hardship of everyday existence. Stan is part of a knockout cast of players that stretch the songs in a variety of directions, building on Balkan brass blowouts with flourishes of hard rock, electronic grooves, and even reggae, but nothing gets in the way of Salina’s powerful singing, which adapts the world-weary tone of Bajramovic for something all her own.

Bio in Spanish

Eva Salinas se crió en Santa Cruz, California, sitio poco probable en cuanto a que pudiera surgir de allí una de las intérpretes más hábiles y llenas de soul de la música balcánica. De niña le encantó una grabación de canciones israelíes y cuando sus padres no pudieron encontrar quien impartiera clases dentro de esta tradición, encontraron un profesor de canto balcánico y de allí que Salina tomara ese camino musical inusual. Hoy día asesora a otros músicos en cuanto a esta tradición a través de clases privadas en Brooklyn, New York, donde ahora reside. También es líder de Jalopy Chorus, ecléctico conjunto vocal en el que las armonías de la Europa oriental se encuentran con sonidos folclóricos irlandeses y norteamericanos, sonidos de otros siglos, y hasta bluegrass. Más su interés mayor son los sonidos balcánicos puros. Es líder del dramático dúo con el acordeonista romaní Peter “Perica” Stan, cuya ascendencia es serbia y romaní. Con él, Salina canta temas tradicionales con gran pureza emocional y de una de manera directa y  fresca. Hasta ahora la apoteosis de su carrera ha sido el extraordinario álbum del 2016, Lema Lema: Eva Salina Sings Saban Bajramovic, en el que añade su propio toque moderno a la música de la singular cantante serbia, una de las figuras más legendarias de la música balcánica, vocalista cuyo arte se nutre de la liberación emocional que ofrece la música en canciones que tratan la tragedia golpeante, la traición, y las asperezas de la existencia cotidiana. Stan es parte de un grupo de artistas absolutamente magistrales capaces de extender las canciones en una gran variedad de sentidos, construyendo sobre explosivos metales balcánicos por medio de toques de rock duro, ritmos y melodías electrónicos, y hasta reggae, pero nada interfiere con la potente forma de cantar de Salina, quien adapta el tono desencantado de Bajramovic de manera completamente propia.

Country of Origin/Based: New York City, USA

Learn More:

evasalina.com

www.facebook.com/evasalinainperson/

 

Feufollet

The sound of this agile Louisiana band is rooted in the music of its regional home, mixing Cajun tradition with string band music and honky-tonk, but there’s much more in Feufollet’s deep bag of tricks. The fact that the quintet easily veers betweens English and Cajun French is the least interesting aspect of its nonchalant versatility, which finds them exploring American roots music with the same ravenous spirit of the Band, a polystylistic gusto that’s as informed as it is enthusiastic. As much ground as the group covers, they never descend into dilettantism. Writing of Feufollet’s ambitious studio aesthetic, Jon Pareles of the New York Times says, “While it can still huff and stamp through a two-step, it reconfigures its sound for each song: adding backup vocal harmonies, assorted electric keyboards (not to mention a toy piano), horns or pedal steel guitar, as well as some electronic effects.” Indeed, while the instrumentalists are at ease traversing a wide array of styles, much of the credit belongs to the appealing ease of singer Kelli Jones-Savoy; on the group’s most recent album Two Universes she ably switches between swamp-pop rave-ups, tender soul balladry, country-rock, and jacked-up Cajun two-steps with a mixture of sass and soul. Ultimately, Feufollet succeed by staying true to its native environment; the traditional sounds of Lafayette seem to pulse through the veins of each group member, but they’ve extended that potent foundation by keeping their collective ears open, absorbing modern pop developments that relate to Louisiana music in the most organic, logical way possible. What might sound eclectic on paper ends up being the most natural thing in the world when Feufollet takes the stage.

Bio in Spanish

El sonido de esta ágil banda de Louisiana tienen sus raíces en la música de su tierra natal, mezclando la tradición de música de cuerdas con honky tonk, pero hay mucho más que ver en el amplio rango de posibilidades musicales que ofrece Feufollet. El hecho de que el quinteto transicione fácilmente entre el inglés y el francés cajún es realmente el aspecto menos interesante de su fluida versatilidad, a través de la cual exploran la música raíz norteamericana con el mismo espíritu omnívoro de the Band, incorporando múltiples estilos de manera entusiasta e inteligente. Aunque la banda cubre muchísimo terreno, nunca se les podría calificar de diletantes. Jon Pareles del New York Times comenta la innovadora estética en el estudio de Feufollet de la siguente manera: “Aunque son capaces de brindar con total exuberancia una pieza para bailar, reconfiguran su sonido para cada canción: lo acompañan con armonías vocales, múltiples teclados electrónicos, por no mencionar un piano de juguete, vientos, o guitarra de pedales de metal y efectos electrónicos.” De hecho, aunque los instrumentistas fácilmente manejan una gran variedad de estilos, mucho del mérito se debe al carisma atractivo de la cantante Kelli Jones-Savoy; en Two Universes, la grabación más reciente del conjunto, ella hábilmente se mueve de música de fiesta de Luisiana, baladas tiernas llenas de soul, rock con country a vibrantes piezas bailables cajún con una mezcla de brío y soul. A final de cuentas, Feufollet tiene éxito porque se mantiene auténtico al ambiente de su tierra natal; los sonidos tradicionales de Lafayette parecieran pulsar por las venas de cada miembro de la banda, pero han ampliado esa base potente manteniendo los oídos abiertos, absorbiendo desarrollos modernos de la música pop que se relacionan a la música de Luisiana de manera orgánica y lógica. Lo que pareciera eclecticismo al describirlo, resulta ser la cosa más natural del mundo cuando Feufollet empieza tocar.

Country of Origin/Based: Lafayette, Lousiana

Genre: Cajun

Learn More:

feufollet.net

www.facebook.com/feufolletband

 

Grand Tapestry

We’ve heard lots of fusions with Indian pop forms—whether Bollywood sound tracks or bhangra—colliding with modern electronic forms in new ways: think of Bally Sagoo’s lush placement of film soundtracks over club beats or the unforgettable collaboration of Panjabi MC and Jay-Z on “Beware.” But Grand Tapestry, an innovative young trio from Los Angeles, pull off a much less expected hybrid, dropping fleet, fast-moving rhymes over Indian classical music. The group is fronted by scene veteran Eligh, a founding member of the influential Living Legends crew—the same group of MCs that introduced Murs to the world back in the 90s. His flow on Grand Tapestry’s self-titled debut album certainly isn’t stuck in the past, adapting craftily to modern styles, but his real accomplishment is finding his way within the  percolating tracks built primarily from the twangy lines played by Alam Khan on the traditional 25-stringed fretless sarod—the instrument made famous in the west by Alam’s brilliant father Ali Akbar Khan—and organic rhythms. Rather than dropping programmed beats into the group’s mix, the main engine of propulsion is the fluid, virtuosic tabla patterns sculpted by Salar Nader, a student of Zakir Hussain, who ingeniously straddles beats of two disparate traditions set worlds and generations apart. Eligh’s rhymes don’t bother celebrating the group’s creative marriage, but instead bring a sense of electric urgency to contemporary social issues; as he raps on “2 Sides,” a classic meditation on good and evil, “Two sides, every story must end / Devil and the God battling within / Of a center in the brain that’s the plane / Conscious and consequence will remain.”

Bio in Spanish

Hemos escuchado muchas fusiones de pop de la India en configuraciones electrónicas modernas novedosas, ya sea en bandas sonoras de Bollywood o en bhangra; por ejemplo, consideremos la manera en la que se han colocado las bandas sonoras de Bollywood sobre beats de club o “Beware”, inolvidable tema en el que colaboraron Panjabi MC y Jaz-Z . Sin embargo, Grand Tapestry, trío innovador de Los Ángeles, logra crear un híbrido inesperado, sobreponiendo rimas ágiles y rápidas sobre la música clásica de la India. Eligh, veterano de la escena e integrante fundador del reconocido crew Living Legends, dirige la banda. Recordarán que ese crew es el mismo que en la década de los noventa presentara Murs al mundo. Su flow en el álbum homónimo no se ha quedado en el pasado y se adapta de manera hábil a los estilos modernos, pero su logro real es encontrar un camino dentro de los fluidos acordes que construye Alam Khan tocando el sarod y acompañarlo con ritmos orgánicos. El sarod, instrumento tradicional de 25 cuerdas y sin trastes, de hecho se conoce gracias a Ali Akbar Khan, brillante padre de Alam. En vez de utilizar beats programados, el motor principal que impulsa la música son los patrones de tabla que esculpe en el aire con gran virtuosidad Salar Nader, estudiante de Zakir Hussain. De esta manera, ingeniosamente crea puentes entre los beats de las dos tradiciones tan diferentes distanciadas no solamente por geografía sino por generaciones. Las rimas de Eligh no se limitan a celebrar el matrimonio creativo de la banda, al contrario, traen un sentido de urgencia electrizante a temas de justicia social: Tal y como rima en “2 Sides”, una reflexión clásica sobre el bien y el mal, “Dos lados, cada historia debe terminar/el dios y el diablo en lucha en el interior/en el centro del cerebro allí está el campo de batalla/la conciencia y la consecuencia permanecerán”.

Country of Origin/Based: Los Angeles, USA

Genre: LA Hip-Hop Meets Hindustani

Learn More:

grandtapestry.com

www.facebook.com/grandtapestry

grandtapestry.bandcamp.com/album/grand-tapestry

www.instagram.com/grandtapestry/

 

Hong Sung Hyun's Chobeolbi

Hong Sung Hyun's ChobeolbiThe janggu is one of the most prominent and archetypal percussion instruments in the history of traditional Korean music—stretching back more than a thousand years, when the hourglass-shaped drum was used as a field instrument during the reign of King Munjong. These days it’s most commonly featured in the Korean percussion music called samul nori, a quartet format featured in folk music used in ritualistic and celebratory settings. Percussionist Hong Sung Syun, a virtuoso on the instrument, has spent much of his career finding new avenues of expression for the janggu. A member of the prestigious Korean percussion ensemble U-so, he decided to form Chobeolbi—which translates as “welcome rain,” reflecting the leader’s desire to create music of meditative serenity in an often hard, difficult world—in order to explore the melodic side of his instrument, which traditionally functions in a support role. He’s developed a dynamic repertoire for his quintet, which nonetheless features some non-percussive instruments such as the gayageum (a traditional 21-string zither played in the group by Pyung Eun Lee) and sogeum (a bamboo transverse flute played by Sung Eun Cha), along with two additional percussionists (Tae Jeong Kim and Seonghyeon Kang). From piece to piece, developed from various Korean shamanistic ritual traditions, the group privileges the melodic lines these Korean percussion instruments are capable of playing, moving from passages of exquisitely lyric tenderness to hypnotic rhythmic breakdowns to mesmerizing chants. Chobeolbi’s performances impart a full range of emotions and atmospheres, taking listeners on a surprisingly contemporary ride they might never expect from such traditional instruments.

Bio in Spanish

El janggu es uno de los instrumentos de percusión más importantes y arquetipales de la historia de la música tradicional coreana. Su historia data de hace más de 1000 años, cuando en el reinado del Rey Munjong, este tambor en forma de reloj de arena se usó como instrumento en el campo. Éstos días se escucha normalmente en la música percusiva coreana llamada samul nori, música folclórica que se toca en formato de cuarteto en momentos de celebración y de rito. El percusionista Hong Sung Syun, virtuoso del instrumento, ha pasado gran parte de su carrera encontrando nuevas modalidades expresivas para el instrumento. Integrante del prestigioso conjunto de percusión U-so, decidió fundar Chobeolbi, cuyo nombre significa una ‘lluvia esperada’, y refleja el deseo del artista de crear música serena y meditativa para el alivio de un mundo duro y difícil. A través de Chobeolbi, quiere explorar y protagonizar el lado melódico de su instrumento, el cual normalmente juega un papel complementario. Ha desarrollado un repertorio dinámico para su quinteto, el cual sin embargo también presenta otros instrumentos no percusivos como el gayageum (cítara tradicional de 21 cuerdas que toca Pyung Eun Lee en este grupo) el sogeum (una flauta de bambú transversa que toca Sung Eun Cha), con además dos percusionistas adicionales (Tae Jeong Kim y Seonghyeon Kang). Las piezas tienen como punto de partida varios ritmos coreanos chamánicos, y en ellas, la agrupación destaca las líneas melódicas que pudieran crear estos instrumentos de percusión coreanos. Se van de pasajes de exquisita ternura lírica a desestructuraciones rítmicas a cantos hipnotizantes que inducen al trance. Los conciertos de Chobeolbi ofrecen un rango tan completo de emociones y ambientes que le brindan al público un paseo musical sorprendente y contemporáneo que  nunca se esperaría de instrumentos tan tradicionales. 

Country of Origin/Based: South Korea

Learn More:

www.facebook.com/chobeolbi/

www.youtube.com

www.youtube.com

 

Iberi Choir

Hailing from Georgia’s capital city of Tbilisi Iberi Choir are distinguished advocates of one of the world’s greatest polyphonic vocal traditions. The practice stretches back centuries, and it’s generally considered to have predated the introduction of Christianity in the region, even if the sound sometimes seems liturgical in nature. The ensemble was founded in 2012 by Buba Murghulia, a singer in storied Georgian troupes like the State Ensemble for Song and Dance and Kapela, as well as the experimental rock band the Shin. Its eleven members survey a wide variety of traditions, deftly combining a quiet theatricality and amusing vocal acrobatics. The dominant sound of the group focuses on breathtaking harmonies, as one, two, or three vocalists deliver soaring melodic leads while the rest of the group sing lushly striated drones or contrapuntal curlicues and lockstep patterns in exhilarating fashion to create a mind-boggling array of rhythms, melodies, and shifting timbres. Adorned in striking black coats and robes, and outfitted with traditional swords, the a capella choir is capable of mesmerizing listeners with a concentrated blend of voices that’s astonishingly ethereal and calming, but they’re equally adept at rhythmically agile works, where the harmonies toggle between peaceful serenity and guttural polyrhythmic propulsion. Iberi’s deep repertoire is intended to present the full splendor of Georgian tradition, from the sonorous styles found in the eastern region of Kakhetia to the more extroverted, virtuosic sounds found in the western regions of Guria and Mengrelia.

Bio in Spanish

De Tbilisi, capital de Georgia, Iberi Choir es distinguidos exponente de una de las tradiciones mayores polifónicas vocales del mundo. La música data de hace varios siglos, y generalmente se considera que surgió antes de que llegara la cristiandad a la región, aunque el sonido en momentos pareciera ser litúrgico. Fue fundado en el 2012 por Buba Murghulia, cantante de legendarios conjuntos de Georgia como State Ensemble for Song y Dance and Kapela, al igual que The Shin, banda de rock experimental. Sus once miembros pasan por una gran variedad de tradiciones, combinando con habilidad una teatralidad discreta y entretenida acrobacia vocal. El sonido dominante de la banda gira alrededor de armonías increíbles, en lo que uno, dos y luego tres vocalistas presentan voces principales que van despegando a la par que los demás integrantes cantan tonos monótonos ricamente divididos o florituras en contrapunto y patrones simultáneos para crear una serie de increíbles y emocionantes ritmos, melodías y timbres cambiantes.  Vestidos de impactantes abrigos negros, y portando tradicionales espadas, el coro a capella es capaz de hipnotizar al público con un concentrada mezcla de voces sorpresivas tranquilas y a la vez etéreas, pero son iguales de adeptos en temas de ágiles ritmos, en los que las armonías van y vienen de una serenidad quieta a acelerada polirritmia gutural. El repertorio extenso de Iberi tiene la intención de presentar el esplendor completo de la tradición de Georgia, desde los estilos sonoros de la región oriental de Kakhetia a los más extrovertidos sonidos y el virtuosismo de las regiones occidentales de Guria y Mengrelia.

Country of Origin/Based: Country of Georgia

Learn More:

www.iberi.ge/

www.facebook.com/IberiChoir/

www.youtube.com/user/iberimusic

 

Kavita Krishnamurti Subramaniam

Kavita Krishnamurti SubramaniamUndoubtedly one of the favourites of the critics and the masses, Kavita’s singing career reads like a fairy tale. Her exquisite and mellifluous voice, wide range and, versatility to sing different styles and types of songs has put her in a unique place amongst singers and she has been quoted as a “melody queen” by leading critics and connoisseurs alike. Born in Delhi, she began her vocal training under Sri Balram Puri, (in the Hindustani style of music) at a very young age.

Kavita enrolled at St. Xavier’s College, Bombay where she obtained an Honours Degree in Economics. While in college, she started singing professionally on stage with the great music director and singer Hemant Kumar, Mukesh and Manna Dey and then embarked on an illustrious recording career in films in 1971. Her first recording for a Bengali film song was a duet with Lata Mangeshkar. Maang Bharo Sajna was her first Hindi film under Sri Laxmikant Pyarelal followed by Pyar Jhukta Nahin. Since then, she has had an illustrious career and has sung in the following films: Mr. India, Karma, Saudagar, Khuda Gawah, Chaalbaaz, 1942 – A Love Story, Yaarana, Mohara, Bombay, Saaz, Khamoshi, Pardesh, Bhairavi, Agnisakshi, Prem Agan, Kuch Kuch Hota Hai, Bade Miyan Chhote Miyan, Wajood, Hum Dil de Chuke Sanam, Taal, Hum Saath Saath Hain, Vaastav, Khoobsurat, Gaja Gamini, Pukar, Dil Chahta Hai, Devdas, Dil Vil Pyar Vyar, Jeena Sirf Tere Liye, The Rising, to name just a few.

Her exemplary voice has taken her all around the world, including to the US, UK, Europe, Africa, Australia, Far East, Middle East and South America. She has performed in some of the most prestigious venues of the world including the Royal Albert Hall, London, The Kennedy Centre, Washington D.C., Madison Square Gardens, The Lincoln Centre, New York, the Zhongshan Music Hall, Beijing and The Esplanade, Singapore Putra Jaya World Trade Centre, Kuala Lumpur, among others.

Having performed in every inhabited continent, there is very little left of the world for Kavita to conquer with her voice. She has performed in every nook and corner of India from Punjab to Kanyakumari and Bengal to Gujarat and the Andaman Islands. She has performed in the largest concert halls and stadiums and her voice has reached millions of people touching their hearts as she has sung in almost all the Indian languages including Marathi, Gujarati, Punjabi, Bengali, Oriya, Assamese, Tamil, Telugu, Malayalam, Kannada, Bhojpuri, Jharkhandi, Rajasthani and Konkani. She has also sung for several Nepalese and Bangladeshi films.

Although primarily a playback singer, Kavita has not allowed herself to be limited. She has sung with orchestras as a soloist, she has collaborated with Western artists from the Jazz, Popular and Classical fields. She has sung ghazals and devotionals. She has even sung IndiPop. Her classical jugalbandi concert with Pandit Jasraj and Dr. L. Subramaniam has been released both audio and DVD by Music Today. Following her wedding to Dr L Subramaniam, she has explored and expanded her artistic range to areas which have never been explored by singers before. She was the main featured soloist in the “Global Fusion” album released by Warner Bros., featuring musicians from all the five continents. She has sung as a soloist with orchestras like the Beijing Symphony Orchestra, Leipzig Philharmonic and London Symphony Orchestra and she has dazzled audiences from around the world with her stage performances, recordings and playback singing for the past thirty years, singing more than 15,000 songs.

 

La Tribu de Abrante

La Tribu de AbranteHiram Abrante was born in the small town of Loíza on the northeastern coast of Puerto Rico, and by the time he was just five his involvement in his local church set him on his path to a rich musical career. He started out playing percussion in his church group, but as a teenager he was working in a variety of Christian bands, many of which experimented with the popular sounds of reggaeton, one of the dominant pop forms in Caribbean music. As he got older, however, Abrante became interested in the more traditional rhythms of the island—bomba and plena. He formed his own bomba group called Bataklan, which continues to work across Puerto Rico with occasional visits to the US. Abrante spent much of his career as a studio musician, providing background vocals for the reggaeton star Tego Calderon and learning the ropes of the business. By 2010 he finally put together the band of his dreams, enlisting family members to create La Tribu de Abrante, which vibrantly melded his interest in bomba with the flavors of salsa and the hectoring energy of reggaeton, while dispensing with the electronic elements that dominate the charts. Abrante drew upon his past experiences to enlist producer and arranger Angelo Torres to help record the new band, which quickly scored an Internet hit with the single “Dale Pa’ la Calle.” As the successes grew the group finally got around the making its debut album Otro Formato de Musicá, an infectious serious of horn-stoked polyrhythmic jams with Abrante’s forceful, infectiously energetic vocals driving the party vibe and proving that modern dance music doesn’t need to rely on machines.

Bio in Spanish

Hibram Abrante nació en el pequeño pueblo de Loíza en la costa noreste de Puerto Rico, y ya cuando tenía cinco años de edad participaba en la iglesia local. Con esa actividad, comenzó una gran trayectoria musical al tocar percusión en el grupo de su iglesia. De adolescente tocó en una variedad de conjuntos cristianos, muchos de los cuales experimentaban con los sonidos populares del reggaetón, uno de los estilos más dominantes de la música caribeña. Ya mayor, sin embargo, le empezaron a interesar los ritmos más tradicionales de la isla como la bomba y la plena. Fundó su propio grupo de bomba llamado Bataklan, que todavía se presenta por todo Puerto Rico y de vez en cuando viene de gira a los Estados Unidos. Abrante se pasó gran parte de su carrera como músico de estudio, cantando con la estrella de reggaeton Tego Calderón y también aprendiendo acerca de la industria de la música. En el 2010 por fin fundó el conjunto de sus sueños, La Tribu de Abrante, con integrantes de su propia familia. De esta manera, logra unir su interés en la bomba con los sabores de la salsa y la energía irresistible del reggaeton, sin incorporar los elementos electrónicos que dominan las carteleras. Abrante pudo aprovechar sus experiencias anteriores para contratar el productor y arreglista Angelo Torres quien le ayudó a grabar al nuevo conjunto y con la canción “Dale pa’ la calle” rápidamente lograron un hit en el Internet. Llegaron otros éxitos y el grupo finalmente grabó su álbum debut Otro formato de música, una serie de jams polirrítmicos sumamente arrolladores impulsados por los metales, acompañando el canto vital y potente de Abrante cuán motor de la fiesta, que nos comprueban que la música de baile moderna absolutamente no necesita depender de máquinas.

Country of Origin/Based: Puerto Rico

Learn More:

www.facebook.com/TribuDeAbrante/

www.youtube.com

soundcloud.com/tribudeabrante

www.instagram.com/TribuDeAbrante/

 

Los Hijos De la Montaña

Sergio Mendoza is one of the busiest and most curious musicians within Tucson, Arizona’s thriving indie scene. He’s an increasingly important member of the acclaimed Calexico, and he’s also toured and recorded with bands like Devotchka, Giant Sand, and the cheeky Mexrissey, a Mexican-flavored, Spanish-language project that pays homage to the music of Morrissey. More central to his own artistic vision is Orkesta Mendoza; he dubs its music “indie mambo,” but its repertoire covers a much broader array of styles including ranchera, merengue, and cumbia, all fed through a prism of melancholia and psychedelia. It might be the first mambo band to ever include a pedal steel. If that wasn’t enough he recently formed Los Hijos de la Montaña, partnering with the singer Luz Elena Mendoza (no relation) from Portland, Oregon’s Y La Bamba. As made clear by the group’s terrific eponymous 2015 album—produced by Steve Berlin of Los Lobos—the pair has a deep love for moody atmosphere and bittersweet melody. The website All Music has described the band’s music, “Like some cosmic, psychedelic cantina band lost in the past or future, they blend together lush lounge pop, peppery rhythms, robust brass sections, folk traditions, and dreamy electronic textures into one cool velvet cocktail. Sergio largely acts as the instrumental force and occasional co-vocalist here, with Luz Elena's confident, impassioned vocals taking center stage more often than not.” The group ranges freely between songs that evoke indie pop, Mariachi music, film scores, boleros, spaghetti western themes, flamenco, and folk-pop.

Bio in Spanish

Sergio Mendoza es uno de los músicos más ocupados y más inquietos de la creciente escena de música indie de Tucson, Arizona. Es un integrante importante de la aclamada banda Calexico, y también ha salido de gira y grabado con agrupaciones como Devotchka, Giant Sand, y el audaz proyecto de Mexrissey que en español y a la mexicana, le rinde homenaje a la música de Morrissey. La propuesta musical de la Orkesta Mendoza es más central a su propia visión artística; el la autodenomina música de “mambo indie” pero el repertorio abarca una serie de estilos mucho más amplio, como las rancheras, el merengue y la cumbia, todo filtrado por un prisma de melancolía y psicodelia; posiblemente sea la primera orquesta de mambo que use pedal de acero. Como si esto fuera poco, recientemente formó Los Hijos de la Montaña en asociación con la cantante Luz Elena Mendoza (no hay parentesco entre ellos), cantante principal de Y La Bamba de Portland, Oregon. Como lo muestra el espectacular álbum homónimo del dúo publicado en el 2015 y producido por Steve Berlin de Los Lobos, ambos sienten un profundo aprecio por ambientes emotivos y melodías agridulces. El sitio web All Music ha descrito la música “...como la de una banda cósmica y psicodélica de cantina perdida en el pasado o el futuro; mezcla pop lounge exuberante, ritmos picantes, vientos robustos, tradiciones folclóricas y texturas ensoñadoras electrónicas y brinda un cóctel aterciopelado y fresco. Sergio aporta la fuerza instrumental y a veces acompaña como vocalista, más la voz segura y apasionada de Luz Elena protagoniza la mayoría de los temas”. La banda se mueve libremente entre canciones que evocan el pop indie, la música de mariachi, bandas sonoras, boleros, temas de películas tipo spaghetti western, el flamenco y el folk-pop.

Country of Origin/Based: Tucson, Arizona

Learn More:

www.facebook.com

 

Luciano Antonio Quartet

Singer and guitarist Luciano Antonio, who was born in the southern Brazilian state of Parana, ranks as one Chicago’s greatest authorities on the art of Brazilian popular music, a stunning performer with a deep knowledge of his homeland’s vast traditions and countless regional styles. As a child he studied western classical music in addition to various local folk forms and bossa nova, and he arrived in the US to pursue his studies at the University of Missouri—Kansas City. But before earning his bachelor’s degree he began making the long commute to Chicago, where he had been invited to join the popular Brazilian combo Chicago Samba. Once he finished school he relocated here, quickly immersing himself in various strands of the local music scene and making himself an indispensable presence. He’s collaborated with numerous jazz luminaries, including John Goldman and Matt Geraghty, but he also works to promote traditional Brazilian sounds through a classical lense as the lead singer and guitarist in the Evanston Orquestra de Samba. According to Scott Adams, long-time host of the popular radio program The Sounds of Brazil, “These days, it's all too easy to equate music with a computer file or pixilated photons in the shape of an onscreen 'buy' button. The good news is that Luciano Antonio's voice and guitar can quickly remind us of the uniquely 'human' nature of this most creative form of storytelling. And, as is always true with a good storyteller, Luciano's music creates images that remain with us in a satisfying, personal way.”

Bio in Spanish

El cantante y guitarrista Luciano Antonio, quien nació en el estado de Paraná en el Brasil, es una de las máximas autoridades en el tema de la música brasileña. Es un artista de gran impacto con un profundo conocimiento de casi un sinnúmero de estilos tradicionales. De niño, estudió la música clásica occidental además de varios estilos folclóricos y el bossa nova. Llegó a Estados Unidos para cursar estudios en la Universidad de Missouri en Kansas City y obtener su licenciatura. De allí, comenzó hacer el largo viaje a Chicago, ciudad en la cual le habían invitado a unirse a la popular agrupación Chicago Samba. Terminó sus estudios y ya ubicado aquí, rápidamente se incorporó completamente a la escena musical local y se volvió una presencia indispensable. Ha colaborado con numerosos artistas del jazz, incluyendo John Goldman y Matt Geraghty, pero en calidad de guitarrista principal y cantante de Evanston Orquestra de Samba, también promueve los sonidos tradicionales brasileños filtrados por un lente clásico. Según Scott Adams, locutor durante muchos años del programa popular de radio The Sounds of Brazil, “Hoy día, es casi demasiado fácil pensar que la música equivale a un expediente en la computadora. O el botoncito en la pantalla que se pulsa para comprar una canción. La buena nueva es que la voz y la guitarra de Luciano Antonio immediatamente nos recuerdan la naturaleza única y ‘humana’ de esta forma de contar historias, la más creativa. Y como siempre ocurre con un buen cuentista, la música de Luciano crea imágenes que permanecen con nosotros de la manera más personal y acogedora'.”

Country of Origin/Based: Brazil | Chicago, USA

Learn More:

www.lucianoantonio.com

 

Lúnasa

Celebrating its 20th anniversary, Lúnasa rank as one of Ireland’s most celebrated, long-lived traditional music ensembles, a devotedly acoustic group that brings an irresistible energy, style, and virtuosity to its thrilling performances. The instrumental quintet was named for an ancient Celtic harvest festival in honor of the Irish god Lugh, patron of the arts, and the band’s rhythmically charged music certainly lives up to such a heady inspiration. The members are some Ireland’s most accomplished musicians: bassist Trevor Hutchinson played bass in the influential Irish rock band Waterboys and he later worked behind the powerhouse accordionist and singer Sharon Shannon; guitarist Ed Boyd was a founding member of Flook, and has toured with Cara Dillon; Seán Smyth is an all-Ireland champion on both fiddle and whistle; flutist Kevin Crawford is a veteran of Moving Cloud; and Uilleann piper Cillian Vallely has performed as part of the massively popular Riverdance and recorded no less than Bruce Springsteen. The legendary Irish fiddler Kevin Burke has said of the group, “Maintaining the unique, intimate qualities of a musical tradition while at the same time meeting and fulfilling the demands of the contemporary music world is a difficult juxtaposition to achieve, yet Lúnasa have managed to accomplish exactly that.” The group’s repertoire reaches far to represent the broadest range of Celtic music, including not only songs from their homeland, but Britney, Scotland, and Spanish regions like Galicia and Asturias. The group members also compose their own dynamic material, complementing a traditional approach with driving acoustic guitar and bass for extra oomph. The arrangements employ a rich contrapuntal snap, with dazzling harmonies zipping by in every bar, but nothing trumps the sheer joyfulness of Lúnasa’s infectious, spirited live performances.

Bio in Spanish

Celebrando su vigésimo aniversario, Lunasa es una de las bandas célebres de mayor trayectoria de Irlanda, agrupación dedicadamente acústica que trae irresistible energía, estilo y virtuosidad a sus emocionantes conciertos. El quinteto instrumental tomó su nombre de un antiguo festival celta en honor del dios irlandés Lugh, patrón de las artes, y la música de gran impulso rítmico que crean estos músicos le rinde un homenaje ameritado al dios que los inspiró. Los integrantes son de los músicos más magistrales de Irlanda: el bajista Trevor Hutchinson quien tocó en Waterboys, reconocida banda de rock irlandesa y posteriormente acompañó a la potente acordeonista y cantante Sharon Shannon; el guitarrista Ed Boyd fue miembro fundador de Flook y ha salido de gira con Cara Dillon; Seán Smyth es campeón de todo el país en el violín y además la flauta irlandesa; el flautista Kevin Crawford es antiguo miembro de Moving Cloud, y Cillean Valley, artista de la gaita tradicional irlandesa participó en la increíblemente popular obra Riverdance y ha grabado con Springsteen. El legendario violinista irlandés Kevin Burke ha comentado, “Mantienen las cualidades únicas e íntimas de la tradición musical y al mismo tiempo cumplen con las exigencias del mundo de la música contemporánea, lo cual requiere un equilibrio y una yuxtaposición difícil de lograr, y sin embargo, Lunasa lo ha logrado”. El repertorio de la banda incluye el más extenso rango de la música celta, con canciones no solo de su tierra natal sino de Bretaña, Escocia, y regiones españolas como Galicia y Asturias. Los miembros del grupo también componen su propio material dinámico, complementando su estilo musical tradicional con el impulso adicional que brindan guitarra acústica y bajo. Los arreglos musicales utilizan un contrapunto de gran riqueza, con armonías alucinantes en cada acorde, pero no hay nada que resalte más que la alegría y el entusiasmo contagioso que brinda Lunasa en sus conciertos. 

Country of Origin/Based: Ireland

Genre: Irish Folk Music

Learn More:

www.lunasa.ie

www.facebook.com/lunasaband

 

Mariachi Flor de Toloache

Mariachi Flor de ToloacheThanks to Chicago’s large Mexican population, its citizens know plenty about the Mariachi tradition, but New York’s stunning Mariachi Flor de Toloache provides some lively challenges to the usual expectations. First and foremost, the group led by singers Mireya I. Ramos and Shae Fiol is all-female, a bold shift from the typical male-dominated culture. They’ve faced skepticism and more than a fair share of sexism, but over the years the group has silenced such naysayers with the power of its music. Secondly, the group’s repertoire reaches well beyond the usual boundaries of the form, cleverly incorporating bits of cumbia, soul-kissed pop, and hip-hop and developing a repertoire that includes covers of Adele and Led Zeppelin. As Fiol told the Huffington Post, “’Mireya’s brother is a very well-known DJ in Puerto Rico, so she brings a lot of hip-hop and R&B. I grew up in Portland, with a lot of classic rock, pop and soul. It feels very organic to go back and forth between them, once we start bouncing around in genres it has such a cool feel. We’re playing Nirvana and then we’re playing Led Zeppelin and then we’re going into ‘Besame Mucho.’ Sometimes people have never heard mariachi, or never heard all-women’s mariachi, or never heard it going all these different places. It’s exciting.” Its members hail not only from Mexico and the US, but also Puerto Rico, the Dominican Republic, Cuba, Colombia, and even Italy and Germany. The group has also taken its music to places Mariachi is rarely experience live, whether serving as an opening act for a US tour by the Arcs, the new band led by Black Keys frontman Dan Auerbach or taking the stage at Coachella Festival. The group’s 2014 debut earned a Latin Grammy nomination, and it’s new album Las Caras Lindas significantly raises the stakes, with its polished production and stunning vocal harmony singing.

Bio in Spanish

Gracias a su gran población mexicana, los ciudadanos de Chicago conocen bien la traición del mariachi, pero el maravilloso Mariachi de Flor de Toloache de New York en ningún sentido cae en lugares comunes. Primero, dirigido por Mireya I. Ramos y Shae Fiol, las integrantes del mariachi son todas mujeres, un cambio audaz en una cultura que normalmente domina el hombre. Se han enfrentado al escepticismo y también al sexismo, pero lo largo de los años el grupo ha logrado callar a los escépticos con el poder de la música que crean. Segundo, el repertorio del grupo se extiende mucho más allá de las fronteras típicas de la tradición, han incorporado de manera inteligente elementos de cumbia, pop con soul, hip hop y su repertorio además incluye interpretaciones de temas de Adele y de Led Zeppelin. Como Fiona le dijo al Huffington Post, “El hermano de Mireya es DJ muy conocido en Puerto Rico, por lo tanto incorpora hip hop y R&B. Yo me crié en Portland, con mucho rock, pop y soul clásico. Cruzar estas fronteras musicales nos parece muy orgánico, y en cuanto comenzamos a dar la vuelta por diferentes géneros logramos un feeling maravilloso. En un momento nos pasamos de tocar a Nirvana y luego tocamos Led Zeppelin y luego pasamos a ‘Bésame Mucho’. Muchas veces la gente nunca ha escuchado la música de mariachi, o nunca ha escuchado un mariachi completamente femenil, o nunca ha escuchado que la música vaya a todos estos sitios diferentes. Es emocionante”. Sus miembros provienen de México, Estados Unidos y además de Puerto Rico, la República Dominicana, Cuba, Colombia, y hasta Italia y Alemania. El grupo ha llevado su música a sitios donde el mariachi rara vez se escucha en vivo, ya sea de telonero en la gira estadounidense de Arcs, la nueva banda dirigida por Dan Auerbach de los Black Keys o en escenario del festival de Coachella.  El debut del 2014 de la banda les ameritó nominación a Latin Grammy y su nuevo álbum Las Caras Lindas, con una producción sofisticada y con armonías vocales alucinantes, supera aún cualquier logro anterior.

Country of Origin/Based: New York City, USA

Genre: Mexican Mariachi Music

Learn More:

www.mariachinyc.com

www.facebook.com/flor.de.toloache/

www.youtube.com/user/mariachiny

 

Mdou Moctar

Mdou Moctar (Photo by Christopher Kirkley)Nigerien singer and guitarist Mdou Moctar represents a new brand of Tuareg music, producing a sound and aesthetic that advances the bluesy, guitar-based modes popularized around the globe by Tinariwen with the sort of consumer-grade recording technology that’s turned the Saharan in a musical hotbed beyond its arid climate. Before Moctar had access to professional recording studios he created his stunning 2008 album Anar with cheap electronics—rudimentary drum machines, needling synthesizers, and gobs of Autotune vocal treatments, which transformed his modal moans into space-age laments. He achieved global fame when one of his tracks turned up on the influential compilation Music From Saharan Cellphones. Christopher Kirkley, a resident of Portland, Oregon, who released that collection on his burgeoning Sahel Sounds imprint, has shepherded Moctar’s stunning career, first producing the lacerating guitar-drenched follow-up Afelan in 2013. According to the Village Voice, “Moctar is a miraculous Tuareg guitarist and singer from Niger, a master of hypnotic Saharan electro-drone blues, each song burning on and on, all flatness and grit, like the wind grinding low over the desert. But he plays with more flash and bite than is the Tuareg norm, peeling off artful solos inspired by the fretboard heroics of Western rock and jazz, crafting something the West has failed to: fresh and vital guitar music unique to this millennium.” The most audacious move from the pair came two years ago when they conceived of a Saharan update of the legendary Prince film, Purple Rain, shot on a portable HD camera amid the mud-brick dwellings of Agadez. The music from Akounak Tedalat Taha Tazoughai, which translates as “Rain the Color Blue With a Little Red in It”, as there is no word for purple in Tamashek, doesn’t much like Prince, other than Moctar’s sizzling guitar heroics, and the film’s plot makes adaptation for the conservative culture of the Sahara, but there’s no missing the point that music can provide salvation.

Bio in Spanish

El cantante y guitarrista nigeriano Mdou Moctar es exponente de una nueva música tuareg contemporánea. Crea un sonido y una estética que desarrollan el estilo basado en los blues y dominado por la guitarra que se volvió popular a nivel mundial gracias a agrupaciones como Tinariwen, que usando el tipo de tecnología de grabación diseñada para el consumidor tornaron el desierto de la Sahara en un epicentro musical. En el 2008, antes de que Moctar tuviera acceso a estudios de grabación profesionales, grabó su propio álbum con equipo electrónico económico, máquinas de batería rudimentarias, sintetizadores agudos y efectos vocales con Autotune, y de esa manera sus cantos se volvieron lamentos para el nuevo milenio. Logró fama global cuando una de sus canciones se publicó en la compilación Music From Saharan Cellphones, la cual recibió gran acogida de parte de los críticos. Christopher Kirkley, residente de Portland, Oregón, quien lanzó esa colección en su incipiente sello disquero, Sahel Sounds, sigue asesorando a Moctar en su carrera extraordinaria. Primero, en el 2013, produjo Afelan, el segundo álbum de Moctar, dándole protagonismo a los lacerantes sonidos de la guitarra. Según el Village Voice, “Moctar es un milagroso cantante del Níger y guitarrista tuareg, maestro de los hipnóticos blues de trance electrónico del Sáhara. Cada canción es candente, evoca horizontes largos y ásperos, como el viento pasando bajo sobre el desierto. Sin embargo, su estilo muestra más brío y destellos que el estilo tuareg característico, a través de solos artísticos inspirados en las hazañas guitarristas del rock y el jazz occidental. Más ha logrado algo que no se ha podido hacer en el occidente: crear música de guitarra para este milenio, única, vital y fresca”. La idea más audaz de la pareja la llevaron a cabo dos años más tarde cuando concibieron actualizar  La lluvia color púrpura, película legendaria de Prince, la cual grabaron con una cámara portátil entre las casas de lodo de Agadez. La música de Akounak Tedalat Taha Tazoughai, que se traduce más o menos como “La lluvia del color azul con un poquito de rojo” (no hay palabra para el color morado o púrpura en el idioma tamashek), aparte de los incendiarios acordes de guitarra de Moctar, no se parece demasiado a la de Prince, y adaptaron la trama de la película para la cultura conservadora del desierto de la Sahara. Más no hay manera de no entender que la música nos ofrece la salvación.

Country of Origin/Based: Niger (Sahara Desert)

Genre: Toureg Rock Music

Learn More:

www.youtube.com

soundcloud.com

sahelsounds.com/mdou-moctar/

 

Nicole Mitchell & Ballake Sissoko: Bamako * Chicago Sound System

Arguably the greatest living flutist in jazz, Nicole Mitchell developed her career during a long stint in Chicago, where her long-running Black Earth Ensemble was one of the most acclaimed and popular jazz groups over the last two decades. These days she lives in California, where she’s a music professor at the University of California—Irvine, but her heart remains in Chicago. She regularly visits and since she moved away in 2011 she’s launched some of her most ambitious and audacious work here, including an impressive series of suites exploring her deep interest in Afro-Futurism, especially the writing of Octavia Butler. This year World Music Festival Chicago, in conjunction with the Hyde Park Jazz Festival, is thrilled to present the world premiere of a new collaboration between Mitchell and her group with the Malian virtuoso of the kora, Ballaké Sissoko, called “Bamako*Chicago Sound System.” The musicians first played together in Paris in 2014, but this project promises a full-fledged meeting between Mitchell’s singular brand of spiritual jazz and fearless improvisation with the Mande traditions of Sissoko, who is no stranger to cross-cultural experimentation himself. Over the years he’s worked with Italian classical pianist Ludovico Einaudi, American blues great Taj Mahal, Moroccan oud master Driss El Maloumi, and French cellist Vincent Segal, with whom he previously played World Music Festival: Chicago. Still, this project, which also includes balafon player Fassery Diabate, and singer Fatima Kouyate, feels like no other. As Mitchell has written of the endeavor, “I had the opportunity to collaborate with West African kora master, Ballaké Sissoko in France and it was one of the most musically transformative experiences of my life. Without words there was great musical understanding between Ballaké and his friends and the Black Earth Ensemble group that I lead. It was magic and opened doors for cultural learning between us. I’m one of many African American artists who romanticize a connection to African culture, but a lot of that is in the dream world. To witness that connection being made real, to have a musical conversation with artists who care as much about music as we do, is something truly special.”

Bio in Spanish

Considerada la más importante flautista de jazz actual, Nicole Mitchell desarrolló su carrera durante una época larga en Chicago, ciudad en la cual su conjunto de larga trayectoria Black Earth Ensemble fue uno de los grupos de jazz más aclamados y más populares de las últimas dos décadas. Vive en California, donde es profesora en University of California, Irvine, pero su corazón permanece en Chicago. Visita la ciudad con frecuencia y desde su partida en el 2011 ha lanzado aquí algunos de sus proyectos más ambiciosos y audaces, los cuales incluyen una muy impredecible serie de suites que exploran su interés profundo en el afrofuturismo y especialmente la obra de Octavia Butler. Este año, World Music Festival Chicago, uniéndose al Hyde Park Jazz Festival, tiene el enorme placer de presentar la premier mundial de “Bamako*Chicago Sound System”, una nueva colaboración entre Mitchell y su agrupación con Ballaké Sissoko, de Mali, África, virtuoso de la kora. Los músicos tocaron juntos por primera vez en París en el 2014, pero este proyecto promete una reunión completa entre la banda extraordinaria de Michelle y las improvisaciones sin fronteras de las tradiciones mandé de Sissoko, quien ya ha participado en varias exploraciones musicales que cruzan culturas. A través de los años, SIssoko ha trabajado con el pianista clásico italiano Ludovico Einaudi, el gran maestro de blues Taj Mahal, el maestro del laúd marroquí Driss El Maloumi y el chelista francés Vincent Segal (con el cual se presentó anteriormente el World Music Festival: Chicago). Más este proyecto, que también incluye Fassery Diabate, cantante y artista de balafón y la cantante Fatima Kouyate, tiene un sentido completamente único. Como Michelle misma ha dicho del proyecto, “Tuve la oportunidad de colaborar en Francia con el maestro de kora de Africa occidental Ballaké Sissoko y fue una de las experiencias musicales más transformadoras de toda mi vida. Sin una palabra, existía un gran entendimiento musical entre Ballaké y sus amigos y Black Earth Ensemble que yo dirijo. Fue mágico y nos abrió las puertas a un aprendizaje cultural mutuo. Yo soy una de las muchas artistas norteamericanas quienes idealizan una conexión a la cultura africana, pero mucho de eso se queda en sueño o ilusión.  Fuimos testigos de que esa conexión se volviera realidad y sostuvimos una conversación musical con artistas que realmente aman la música al igual que nosotros; fue algo verdaderamente especial”. 

Country of Origin/Based: Southern California + Mali

Learn More:

nicolemitchell.com/black-earth-ensemble

www.facebook.com

 

Ode

Brothers Robert and Davor Palos decided to name their Chicago-based band Ode, Bosnian for “to leave,” as a way to memorialize their roots. They grew up in Bosnia, but sought a new life in Chicago, and this five-piece rock band decidedly embraces the sound of America in its smoldering grooves and moody atmosphere, with deft propulsion offered by drummer Daniel Crane, bassist Elliot Taggart and rhythm guitarist Nikola Dokic. As heard on the band’s recent debut album Hotel Bristol, Ode draws influences from a variety of alt-rock icons such as Alice in Chains and Nick Cave, but there’s no missing the fact that the Palos brothers retain the strong flavor of their homeland, particularly in the nimble melodic guitar patterns played by Robert, which tap directly into a rich legacy of Balkan folk, while singer Davor mines a theatrical style somewhere between vintage Scott Walker and Bono. Together the quintet moves seamlessly between shimmering balladry and muscular hard rock, as a dynamic lattice of guitar work pivots between airy arpeggios, beefy power chords, and elaborate unison runs in unusual time signatures. Ode doesn’t wear its Eastern European influence brazenly, but enfolds those ideas naturally within its highly tuneful, unapologetically dramatic attack. It’s no wonder its recent record release concert touched on a wide variety of multimedia elements, as the music seems to convey the full impact of a theater piece rather than a simple rock concert.

Bio in Spanish

Los hermanos Roberto y Davor Palos decidieron darle el nombre de ‘Ode’ a su banda chicagoense, a manera de recordar sus raíces, ya que esa palabra en el idioma bosnio que significa ‘irse’. Se criaron en Bosnia, pero llegaron a Chicago a buscar una nueva vida, y esta banda con cinco integrantes de manera decidida incorpora el sonido norteamericano a sus emotivos ambientes musicales y acordes incendiarios, los cuales impulsan hábilmente el baterista Daniel Crane, el bajista Elliot Taggart y el guitarrista rítmico Nikola Dokic. Tal y como escuchamos en Hotel Bristol, su reciente álbum debut, Ode muestra influencias de una variedad de íconos del rock alternativo tales como Alice in Chains y Nick Cave, pero no se puede evitar sentir que los hermanos Palos mantienen el sabor fuerte de su tierra natal, sobre todo en las ágiles acordes melódicos de la guitarra que toca Robert que se nutren directamente del rico legado de la música folclórica balcánica. Al mismo tiempo, como cantante, Davar tiene un estilo teatral entre Scott Walker y Bono. El quinteto pasa de baladas luminosas a rock duro y muscular, apuntalando las piezas de manera dinámica con pasajes de guitarra que van de arpegios airosos a acordes potentes a intrincados pasajes en tiempos poco usuales. Ode no manifiesta la  influencia musical de Europa oriental de una manera demasiado obvia, pero incorpora esas ideas de manera natural dentro de su ataque dramático y melódico. Por lo tanto, no debe sorprender que el reciente concierto en el que lanzaron la grabación incorporó una gran variedad de elementos multimedia, ya que su música comunica el efecto total de una obra de teatro más allá de un simple concierto de rock. 

Country of Origin/Based: Chicago, IL, USA

Learn More:

www.odemusic.com

www.facebook.com/odemusic

www.youtube.com/user/ODEMUSICTV

soundcloud.com/odemusic

www.instagram.com/odeband/

 

Priya Venkatraman & Troupe

The stories of “Ahimsa” with Music by Shiv Subramaniam

Dancer and choreographer Priya Venkatraman is one of the premier contemporary practitioners in the ancient art of Bharatanatyam, one of the most important and oldest classical dance traditions of India, originating in Tamil Nadu as far back as the second century. She was born and raised in India, and her training began when she was seven, under the tutelage of Guru Saroja Vaidyanathan. She spent many of early years in the US, where her learning continued even as she became a teacher herself. She collaborated with modern dance figures and she choreographed a Terrance McNally play in Milwaukee. She’s achieved international recognition, and as a journalist for Spain’s El Pais has written, “Her presentation is taken from an ancient tradition, from bronze statues and paintings, and her style, as a whole, has coordinated and harmonious movements that are devilishly difficult due to the rhythms, the various norms and principles of the style, filled with subtleties and swift changes, coordinated movements which speak of love, happiness, or sadness, expressed everything within a strict code with mythological allusions.” For this year’s Ragamala she presents a work exploring themes of nonviolence in collaboration with composer and Carnatic vocalist Shiv Subramaniam.

Bio in Spanish

Las historias de “Ahimsa” con música de Shiv Subramaniam

La danzante y coreógrafa Priya Venkatraman es una de las bailarinas más importantes contemporáneas del arte antiguo del Bharatanatyam, una de las tradiciones mayores más antiguas de la danza clásica de la India, la cual originó en Tamil Nadu y data del segundo siglo. Nació y fue criada en la India, y su capacitación comenzó cuando tenía siete años de edad, bajo la asesoría del Gurú Saroja Vaidyanathan. Se pasó muchos años de joven en los Estados Unidos, donde su aprendizaje continuó y ella misma se volvió maestra. Colaboró con figuras de la danza moderna y hasta compuso la coreografía de una obra de teatro de Terrance McNally en Milwaukee. Ha logrado reconocimiento internacional y como un periodista para el diario español El País ha escrito, “Su estampa parece extraída de un relieve antiguo, de un bronce o de una pintura memorial, y su conjunto posee una coordinación precisa y armónica en bailes que son endiabladamente difíciles por sus ritmos, su canon y los valores particulares del estilo, lleno de sutilezas y de cambios, movimientos coordinados que hablan del amor, la alegría o el lamento, expresado todo dentro de un estricto código con alusión mitológica”. Para el Ragamala de este año presenta una obra explorando los temas de la no violencia en colaboración con el compositor y vocalista carnático Shiv Subramaniam.

 

Rami Gabriel

Lebanese-Egyptian guitarist and oud player Rami Gabriel, who grew up in Toronto, has gained attention in Chicago for his invaluable contributions to the adventurous Jazz Manouche combo led by guitarist Alfonso Ponticelli, Swing Gitan, which performs elsewhere at this year’s World Music Festival Chicago. But the highly skilled musician—who is also an author, a psychology scholar teaching at Columbia College and a recent fellow at the prestigious Center for Black Music Research—has a wide range of musical interests, traversing an array of global styles and approaches. He helps lay down reggae and soul grooves alongside Scott Ligon, Alex Hall and Casey McDonough—all of Flat Five fame—in the quartet RACS, while his 2015 album Oud Blues & New Traditions explored a marriage between Arabic music and Chicago blues. He’s followed up his serious training in Arabic music—with studies in Cairo and Istanbul—with his own spin on the tradition. The group he presents at this year’s festival combines many of those interests with a line-up drawn from the city’s diverse musical community; his own playing on guitar, oud, and buzuq is complemented by the cimbalom virtuoso Alex Udvary, bassist and lyra player Miles Jay, reedist Jonathan Doyle, and percussionist (and fellow oud player) Ronnie Malley, formerly of festival favorites Lamajamal.

Bio in Spanish

El guitarrista y artista de la laúd Rami Gabriel, de ascendencia libanesa y egipcia, se crió en Toronto. Ha logrado reconocimiento en Chicago por sus contribuciones sumamente valiosas al combo audaz de jazz manouche dirigido por el guitarrista Alfonso Ponticelli, que se presenta también en el festival de música de este año. Más este artista tan sumamente capacitado es además autor y catedrático en psicología y  becario reciente al prestigioso Center for Black Music Research y tiene una amplia gama de intereses musicales que cruzan una serie de estilos y propuestas musicales globales. Aporta toques de reggae y soul en el cuarteto RACS, mientras que su álbum del 2015 Oud  Blues & New Traditions exploró la fusión de la música árabe y los blues de Chicago. Después de haber estudiado profundamente la música árabe en Cairo e Istanbul, ha desarrollado su propia visión de la tradición. La banda que presenta en el festival de este año combina muchos de esos intereses a través de un un elenco compuesto por miembros de la diversa comunidad musical de Chicago. Su propio arte en la guitarra, laúd y buzuq lo complementan el virtuoso del cimbalón Alex Udvary, el bajista y músico de lira Miles Jay, el flautista Jonathan Doyle, y Ronnie Malley, percusionista y artista de laúd y antiguo integrante de Lamajamal, conjunto preferido de festivales.

 

Roopa Panesar, sitar, Prishanna Thevarajah, mridangam and Nitin Mitta, tabla

Roopa PanesarThe British sitar player Roopa Panesar is part of a growing community of great Indian classical musicians who have grown up and developed far away from India, as the country’s Diaspora grows and transforms; many of this year’s Ragamala performers are grew up here in the US. Panesar has had serious training, studying from an early age with the likes of Ustad Dharambir Singh and Pandit Arvind Parikh—she also taken guidance from artists visiting the UK, such as Shahid Parvez and Bahauddin Dagar. For much of the current decade she has traveled widely, perform across Europe, the US, and India. As with so many Indian classical musicians of her generation, Panesar has interests that have allowed her to work in a growing variety of contexts, whether than means collaborating with the influential electronic musician and producer Talvin Singh or the English light classical and pop soprano Laura Wright. She also experimented with western classical tradition, placing her sitar in unusual contexts, such as a performance of  Concerto de Aranjuez by the Spanish compose Joaquín Rodrigo. Panesar is also chemical engineer. Still, nothing is closer to heart than Indian classical music, an ardor that’s hard to miss on her stunning 2011 album Khoj. For her Chicago performance she’s joined by two great percussionists—fellow Brit and mridangam player Prishanna Thevarajah, a regular collaborator of Ravi and Anoushka Shankar, mandolinist U. Srinivas and Nitin Sawhney, among others, and tabla player Nitin Mitta, who’s worked with classical greats like Pandit Jasraj and Vishwa Mohan Bhatt as long as serving as a member of the acclaimed trio Tirtha with MacArthur-winning pianist Vijay Iyer and the innovative guitarist Prasanna.

Bio in Spanish

Roopa Panesar, citarista, Prishanna Thevarajah, mridangam y Nitin Mitta, músico de tabla

La artista británica y citarista Roopa Panesar es parte de una comunidad creciente de grandes artistas de la música clásica de la India quienes se criaron y se han desarrollado en sitios lejanos a la India, en la medida que la diáspora de ese país crece y se transforma; muchos de los artistas de Ragamala este año se crearon aquí mismo en los Estados Unidos. Panesar tiene una formación profunda, estudiando desde que era joven con artistas tales como Ustad Dharambir Singh y Pandit Arvind Parikh, y se ha capacitado con artistas que visitan de el Reino Unido, tales como Shahid Parvez and Bahauddin Dagar. Durante gran parte de la década actual ha viajado por todo el mundo, presentando conciertos en Europa, en los Estados Unidos y la India. Como muchos músicos de la música clásica de la India de su generación, Panesar tiene intereses que le han permitido trabajar en una gran serie de contextos, ya sea colaborando con el reconocido músico y productor electrónico Talvin Singh o Laura Wright de Inglaterra, soprano de música clásica y de pop. También ha experimentado con la tradición de la música clásica del occidente, tocando su cítara en contextos inusuales, como en el Concierto de Aranjuez del compositor español Joaquín Rodrigo. Panesar es además ingeniero químico. Sin embargo, no hay música ame más que la música clásica de la India, pasión de sentir ineludible en Khoj, su espectacular álbum del 2011. Para su concierto en Chicago, se unen a ella dos grandes percusionistas, el artista británico de mridangam Prishanna Thevarajah, colaborador frecuente de Ravi y Anoushka Shankar, el mandolinista U. Srinivas y Nitin Sawhney, entre otros, y el artista de tabla Nitin Mitta, quien ha trabajado con los grandes de la música clásica como Pandit Jasraj y Vishwa Mohan Bhatt y ha sido integrante durante mucho tiempo del aclamado trío Tirtha, con Vijah Iyer, pianista premiado con MacArthur y con el innovador guitarrista Prasanna.

Country of Origin/Based: UK | India

Learn More:

roopapanesar.com

 

Sahba Motallebi with Naghmeh Farahmand

Sahba Motallebi with Naghmeh FarahmandSahba Motallebi is a virtuoso on both the tar and setar, two related lutes at the heart of Persian classical music. As a teenager in her native Iran she pushed against patrimonial restrictions and emerged as a dynamo on her instruments; when she was only 14 she began her studies at the Tehran Conservatory of Music and between the years 1995-98 she was a four-time winner as best tar player at the Iranian Music Festival (she also studied abroad, in Russia and Turkey). While still in school she cofounded the boundary-breaking female music ensemble Chakaveh; in 1999 she was invited to join the prestigious Iranian National Orchestra, which initiated her global performance career, and eventually led her to settle in Los Angeles, where she’s lived and played for over a decade, and has worked fastidiously to preserve traditional Persian classical music. She also extended her education in performance practice at CalArts. Motallebi has achieved extraordinary recognition as an expat and she’s been honored by performing with the great master Hossein Alizadeh. For this rare Chicago appearance she will perform with percussionist Naghmeh Farahmand, daughter of the great Mahmoud Farahmand. Although her playing is rooted in Persian traditions, she’s also learned in Sufi and Kurdish music as well, and before immigrating to Canada in 2010 she had performed with Iranian giants like the ney player Hassan Nahid and singer Hengameh Akhavan. Since relocating her practice has expanded to include jazz as well as music from Bulgaria and India. Her 2012 album features her wide-open aesthetic, one rooted in the fundamentals of Persian tradition but versatile enough to make room for a growing world of influences.

Bio in Spanish

Sahba Motallebi es un virtuoso de los instrumentos del tar y setar, dos laúdes similares centrales a la música clásica persa. De adolescente en su Irán nativo, se rebeló en contra de restricciones patrimoniales y surgió como artista instrumental brillante; cuando apenas tenía 14 años de edad comenzó sus estudios en el conservador de música de Terán y de 1995 a 1998 ganó cuatro veces el primer lugar  como artista de tar en el Iran Music Festival. También estudió en el extranjero en Rusia y en Turquía. Mientras todavía estaba en la escuela, fue cofundadora del conjunto femenil Chakaveh que rompió todo tipo de esquemas.  En 1999 se le invitó unirse a la prestigiosa Iranian National Orchestra, lo que inició su carrera de actuaciones a nivel global, y a final de cuentas se mudó a Los Ángeles donde ha vivido y presentado conciertos por más de una década. Ahí también ha trabajado de la manera más dedicada y laboriosa a preservar la música clásica persa y ha profundizado su formación a través de prácticas y conciertos en CalArts. Motallebi ha logrado reconocimiento extraordinario fuera de su tierra y ha sido privilegiada con acompañar en concierto con el gran maestro Hossein Alizadeh. Para esta presentación en Chicago tan inusual, se presentará en concierto con el percusionista Naghmeh Farahmand, hija del gran Mahmoud Farahman. Aunque toca en un estilo arraigado en tradiciones persas, también conoce la música sufí y la música kurda y antes de emigrar a Canadá en el 2010 se había presentado en conciertos con gigantes de la música iraní como Hassan Nahid, artista de la flauta persa llamada ney, y la cantante Hengameh Akhavan. Desde que reside en este país, ha extendido su repertorio musical para incluir al jazz y también la música de Bulgaria y de la India. Su álbum del 2012 refleja esta estética tan ecléctica, arraigada en los fundamentos de la tradición persa pero lo suficiente versátil para poder incorporar un mundo creciente de influencias.

Country of Origin/Based: LA/Iran, Asia

Learn More:

www.sahbamotallebi.com

 

Salif Keita

Salif KeitaArguably the greatest singer to emerge from modern Mali, Salif Keita, “the Golden Voice of Africa,” has towered as one of the most dominant stars of world music since launching a solo career in 1982 and moving to Paris two years later. He’s long been a pioneer of experimenting with various pop hybrids to reach a larger audience, embracing slick, dance-oriented production—as well as collaborations with jazz musicians such as Joe Zawinul, Wayne Shorter and Vernon Reid--but without ever abandoning his deep footing in Mande tradition. In a culture of hereditary griots—a caste of storytellers and singers—Keita’s albinism initially made him an outcast, but his extraordinary, soulful voice and his ability as a syncretic musician allowed him to defy the odds and become a superstar. In 1970 he became one of the main singers in Super Rail Band de Bamako, a paradigm-shifting outfit that radically modernized traditional Malian modes with liquid electric guitars and the pervasive influence of Afro-Cuban music. In 1973 he and guitarist Kante Manfila left to form another ground-shifting combo, the forward-looking Les Ambassadeurs International, and it was with this band that Keita truly forged a new sound, influenced by western pop singers like Stevie Wonder and Ray Charles—until his ideas proved to big and he went solo. (Recently Les Ambassadeurs have delivered an utterly convincing, powerful reunion). Over the fifteen years or so, Keita has pushed his music closer to his roots; he’s moved back to Mali and opened a recording studio there, where he has helped produce a slew of albums by local artists; and after years of electronic production, he’s increasingly embraced an acoustic sound. Still, the music on his most recent studio album goes both ways, mixing traditional instruments like kora and n’goni with drum machines and even B-52s samples. Through every iteration, though, Keita’s voice always cuts through, providing a perpetually soulful focus.

Bio in Spanish

Considerado uno de los más grandes cantantes que surgieron del Mali moderno, Salif Keita, la voz dorada de África, ha dominado la música del mundo en calidad de una de sus superestrellas desde que lanzó su carrera como solista en 1982 y se mudó a París dos años después. Desde hace mucho tiempo ha sido pionero innovador, creando híbridos de la música pop para poder comunicarse con un público más extenso, incorporando a la par una producción sofisticada que destaca la danza africana. Además ha colaborado con músicos de jazz tales como Joe Zawinul, Wayne Shorter y Vernon Reid, Sin embargo nunca ha abandonado sus raíces profundas de la tradición mandé. Keita forma parte de una cultura de juglares africanos, legado que se hereda en familias en castas de cuentistas y cantantes, y al principio se le marginó por ser albino, pero su voz tan extraordinaria y llena de soul sumado a su habilidad como músico sincrético le permitió volverse superestrella contra viento y marea. En 1970 pasó a ser uno de los cantantes principales de Super Rail Band de Bamako, conjunto que cambió paradigmas y transformó de manera radical las modalidades tradicionales de Mali utilizando guitarras eléctricas fluidas y una influencia omnipresente de la música afrocubana. En 1973, Keita y el guitarrista Kante Manfila se apartaron de esa banda para fundar Les Ambassadeurs International, conjunto que con su visión a futuro cambió el panorama musical completamente. Con esta última agrupación, Keita realmente forjó un sonido nuevo con influencias del pop occidental y cantantes como Stevie Wonder y Ray Charles, hasta que su visión musical tan audaz le exigió que se volviera solista. Recientemente Les Ambassadeurs tocaron juntos de nuevo en una reunión completamente convincente y potente. En los últimos 15 años, Keita se ha aproximado más a sus raíces musicales; se mudó de regreso a Mali y abrió un estudio de grabación en su país natal, por medio del cual ha ayudado a producir un gran número de álbumes de artistas locales; después de años de producción electrónica también se ha acercado cada día más a un sonido acústico. Sin embargo, la música de su más reciente álbum de estudio toma ambos caminos, mezclando instrumentos tradicionales como el kora y el ngoni con máquinas de baterías y hasta sampling de los B-52. Más en cualquiera de las iteraciones musicales de su obra, la voz de Keita siempre domina y destaca, brindando una perspectiva eternamente plena de soul.

Country of Origin/Based: Mali

Learn More:

www.salifkeita.net

 

Satish Vyas with Anindo Chatterjee

Satish Vyas is one of today’s leading practitioners of the santoor, a beloved trapezoidal type of hammer dulcimer that’s one of the key instruments in Indian classical music. The body of the instrument is made from walnut and features seventy-two strings played with a pair of light wooden mallets or hammers. The earliest training for Vyas came from his father Pandit C. R. Vyas, one of the great vocalists of the modern era—most Hindustani music virtuosos begin their learning as children, but Vyas didn’t start until the age of 23, giving his first public concert when he was 35, and once he became fluent on the instrument he graduated to studies with, perhaps, the greatest living santoor player Pandit Shivkumar Sharma. Over the last couple of decades Vyas has toured all over the world, performing at many prestigious festivals; in 1997 he was the only non-Western instrumentalist invited to play at the venerable Mostra Mozart Festival in Venice, Italy, and he has also worked with the Indo-Jazz fusion group Silk. Despite his interest in such cross-stylistic endeavors, Vyas insists that he remains committed to Hindustani music. In 2012 he spoke to the Times of India about his fusion work, “I am not here to do fusion because I was stagnating in classical music. The idea is not to do an album because everyone else is doing fusion. I am not at that stage in my career where I need to do that. For all you know, I might never do fusion again if I am not inspired enough.” Before dedicating himself full-time to playing music, Syas applied his degrees in science and management studies to the music business itself, organizing the Pandit CR Vyas Music Festival in Nagpur and serving as the director of the acclaimed Indian music label Navras Records. He performs with one of India’s greatest contemporary tabla players, Anindo Chatterjee, a student of Pandit Jnan Prakash Ghosh. During his career he’s performed with many of the tradition’s greatest instrumentalists including Imrat Khan, Ravi Shankar, Shahid Parvez, Manilal Nag, Amjad Ali Khan, Hariprasad Chaurasia, and Shivkumar Sharma, among others. In 2009 he established the Anindo Chatterjee Institute of Tabla in Seattle, Washington, which has worked with more than 6000 students since it opened.

Bio in Spanish

Satish Vyas es uno de los más importantes músicos del santoor, un tipo de dulcémele de martillo de forma trapezoide que es uno de los instrumentos claves de la música clásica de la India. El cuerpo del instrumento se construye de madera de nogal con setenta y dos cuerdas que se tocan con un par de ligeros martillos o mazos de madera. La primera educación musical de Vyas fue impartida por su padre Pandit C. R. Vyas, uno de los grandes vocalistas de la era moderna. La mayoría de los virtuosos de la música hindustani aprenden su arte desde la infancia, pero Vyas no comenzó hasta los 23 años de edad, y dio su primer concierto a los 35. Ya habiendo dominando su instrumento, se graduó a estudiar con Pandit Shivkumar Sharma, el artista de santoor más importante del mundo. A lo largo de las últimas décadas, Vyas se ha ido de gira por todo el mundo, tocando en numerosos festivales prestigiosos; en 1997 fue el único instrumentalista no occidental invitado a tocar en el venerable Mostra Mozart Festival en Venecia, Italia. También ha trabajado con Silk, agrupación dedicada a la fusión Indo-jazzista. A pesar de su interés en proyectos de este tipo de fusiones, Vyas insiste que mantiene su compromiso a la música hindustani. En el 2012 habló con Times of India acerca de su trabajo de fusión “No estoy aquí para crear fusiones porque me encuentre estancado en la música clásica. No estoy en esa etapa de mi carrera; no me hace falta hacerlo. La idea no es grabar un álbum porque todos los demás están haciendo fusiones. Si no me siento suficientemente inspirado, es posible que no vuelva nunca a hacer ninguna otra fusión”. Antes de dedicarse de tiempo completo a tocar la música, Vyas aplicó el conocimiento de su licenciatura en Ciencia y Estudios de Administración a la industria de la música misma; organizó el Pandit CR Vyas Music Festival in Nagpur y prestó servicio como el director de Navras Records, aclamado sello disquero de la música de la India. Se presenta en concierto con Anindo Chatterjee, estudiante de Pandit Jnan Prakash Ghoshuno, uno de los más grandes artistas contemporáneos de la tabla de la India contemporáneos. A lo largo de su carrera se ha presentado en concierto con los más grandes instrumentistas de la tradición incluyendo Imrat Khan, Ravi Shankar, Shahid Parvez, Manilal Nag, Amjad Ali Khan, Hariprasad Chaurasia, y Shivkumar Sharma, entre otros. En el 2009 estableció el Anindo Chatterjee Institute of Tabla en Seattle, Washington, al que han asistido más de 6000 estudiantes desde que fuera inaugurado.

Country of Origin/Based: India

Genre: Indian Classical Music - Hindustani, santoor

Learn More:

www.satishvyas.in

www.youtube.com/user/salifkeitaofficiel

 

Seun Kuti & Egypt 80

Seun Kuti (Photo credit: Romain Rigal)A decade ago Seun Kuti emerged on the global stage as the youngest son of Afrobeat legend Fela Anikulapo Kuti, a vocalist and saxophonist entrusted with the leadership of his father’s last band Egypt 80 and the clear inheritor of that lofty mantle. At the age of 34 Seun no longer seems like a kid, and he’s settling into the role with gusto while quietly but consistently making his own mark, carrying on the ultra-funky sound developed by Fela, as post-James Brown grooves simmer and surge in extended jams punctuated by extended solos from Kuti’s crack band, including his own wiry, needling horn playing, and infectious call-and-chant vocals. While Fela’s music was notoriously political—which often led to run ins with the Nigerian authorities—Seun seemed intent on tamping down the level of confrontation, preferring less pointed commentary. But that seems to have been changing lately. Last year he and his band released the stunning ep Struggle Sounds, produced by jazz keyboardist Robert Glasper, and there was no missing its activist vibe. As Peter Margasak wrote about the record in the Chicago Reader, “The 25 minutes cleave tightly to the classic agitprop-funk approach pioneered by Seun’s legendary father, Fela Anikulapo Kuti, and considering the shortsighted, selfish decisions happening in voting booths around the globe—including our recent presidential election—this blast of righteousness is plenty welcome. Though Kuti’s lyrics probably weren’t conceived with the U.S. in mind, the seething ‘Gimme My Vote Back (C.P.C.D.)’”—the parenthetical stands for ‘Corporate Public Control Department’—sure seems prescient about what populist supporters of our president-elect are likely to get over the next four years: ‘You promise jobs / And you close the factory / But there’s always work in the penitentiary.’ Nothing can supplant direct action, but truly combustible sounds can certainly help motivate it—especially when Kuti’s such an electric performer.”

Bio in Spanish

Hace una década,  Sean Kuti surgió en el escenario global como el hijo más pequeño del legendario Fela Anikulapo Kuti, cantante y saxofonista confiado con el liderazgo de Egipto 80, la última agrupación de su padre y claramente el heredero de su distinguido trono. A los 34 años de edad, ya no es tan joven, y con gusto se ha acomodado en el puesto de heredero. Sin embargo, de manera discreta pero constante va creando su propio impacto, adelantando el sonido lleno de funk que desarrolló su padre, más incluyendo sus propios solos improvisados y eléctricos, con contagiosos cantos de llamada y respuesta.  Mientras que la música de Fela fue claramente política, lo cual le causó frecuentes conflictos con las autoridades nigerianas, Seun parecía preferir limitar los enfrentamientos directos, y su comentario social no había sido tan directo. Pero esto ha cambiado últimamente. El año pasado él y su conjunto lanzaron el extraordinario EP Struggle Sounds, producido por el tecladista y jazzista Robert Glasper, y ho hay manera de evitar la vibra activista. Como escribió Peter Margasak acerca de la grabación en el Chicago Reader, “Los 25 minutos se ciñen a la metodología clásica de el agitprop-funk del cual fue pionero el legendario padre de Sean, Fela Anikulapo Kuti, y teniendo en cuenta las decisiones limitadas y egoístas que se están dando en las elecciones a nivel global, inclusive nuestra propia y reciente elección presidencial, le damos la bienvenida a esta explosiva corriente de justicia social. Aunque las letras de las canciones de Kuti probablemente no fueron concebidas con los Estados Unidos en mente, el candente tema ‘Gimme My Vote Back (C.P.C.D.)’, cuyas siglas en paréntesis se refieren al Departamento Corporativo de Control Público, parece predecir lo que los populistas que apoyan el próximo presidente probablemente vean en los próximos cuatro años: ‘Prometes empleos y cierras la fábrica/pero siempre hay trabajo en la penitenciaría’”. Nada sustituye la acción directa, pero temas realmente combustibles pueden motivarnos a actuar, sobre todo teniendo en cuenta la electrizante actuación en vivo de Kuti”.

Country of Origin/Based: Nigeria

Genre: Afrobeat

Learn More:

www.facebook.com/seunkutiofficial/

 

Shiv Subramaniam, vocals, Sruti Sarati, violin, Rajna Swaminathan, mridingam

Carnatic vocal specialist—and a Fulbright scholar in Sanskrit studies--Shiv Subramaniam, who’s studied with Vani Sateesh and his grandmother Lakshmi Balasubramaniam, leads a performance rooted in Carnatic tradition with an emphasis on Abhang, a devotional poetry sung in praise of the Hindu god Vitthala. For the performance he works with the young violinist Sruti Sarati, a regular collaborator, fellow Fulbright scholar, and a student of Anuradha Sridhar. The group is rounded out by Rajna Swaminathan, one of the world’s foremost female masters of the mridangam—a double-headed drum that’s the primary percussion instrument in Carnatic music—and she’s also deeply involved with cross-disciplinary work. She’s heavily involved with jazz and improvised music, researching and developing new constructs for her instrument in a jazz context. She’s performed with pianist Vijay Iyer and saxophonist Steve Coleman, and through regular work for the Minneapolis troupe Ragamala Dance she’s been commissioned to write music in collaboration with trumpeter Amir ElSaffar and saxophonist Rudresh Mahanthappa—both she and Anjna performed in Song of the Jasmine in 2015 at the Museum of Contemporary Art with Ragamala and Mahanthappa. She also leads a fascinating project called Rajas, a project that “aims to highlight the innovative potential of contemporary musicians in the South Asian diaspora, and provides a forum to collectively contemplate new possibilities for musical concepts and sensibilities stemming from the Indian classical idiom.” Among the recent participants have been ElSaffar, jazz guitarist Miles Okazaki, and Indo-fusion saxophonist Aakash Mittal. According to Financial Times, “Her pieces for violin, horns, percussion, guitar, and her own deft drummed wedded beauty by courting chaos, with the methods of loose-knit latter-day jazz at the service of a recognizably south-Asian melody and pulse.”

Bio in Spanish

Shiv Subramaniam es especialista en la música vocal carnática y académico de Fulbright en estudios del sánscrito, quien ha estudiado con Vani Sateesh y su abuela Lakshmi Balasubramaniam. Dirige este concierto arraigado en la tradición carnática el cual se enfoca en Abhang, poesía religiosa cantada en alabanza del dios hindú Vitthala. Para esta función se presenta con su colaborador frecuente, el violinista joven Sruti Sarati, académico de Fulbright y estudiante de Anuradha Sridhar. El conjunto lo completa Rajna Swaminathan, una de las profesoras femeninas más importantes en el mundo del mridangam, un tambor de doble cabeza que es el instrumento primario de percusión en la música carnática. Ella también tiene un compromiso profundo con la labor de cruzar disciplinas. Trabaja frecuentemente con música de jazz e improvisada, investigando y desarrollando nuevas configuraciones para su instrumento en el contexto del jazz. Se ha presentado en concierto con el pianista Vijay Iyer y el saxofonista Steve Coleman, y a través de trabajar con regularidad con Ragamala Dance, tropa de danza de Minneapolis, se le ha comisionado componer música en colaboración con el trompetista Amir ElSaffar y el saxofonista Rudresh Mahanthappa. En el 2015, tanto ella como Anjna se presentaron en Song of the Jasmine  en el Museo de Arte Contemporáneo con Ragamala y Mahanthappa. También dirige un proyecto fascinante llamado Rajas, cuya propuesta es “destacar el potencial innovador de los músicos contemporáneos de la diáspora del sur de Asia, y ofrecer un foro para de manera colectiva contemplar nuevas posibilidades para conciertos musicales y sensibilidades que surgen del idioma de la música clásica de la India”. Han participado recientemente en dicho proyecto ElSaffar, el guitarrista de jazz Miles Okazaki, y el saxofonista de fusión de la música de la India Aakash Mittal. Según el diario Financial Times, “... sus obras para violín, vientos, percusión, guitarra y su propia hábil percusión se unieron a la belleza y se aproximaron al caos, usando métodos de jazz libres y contemporáneos al servicio de la melodía y el pulso que se reconocen como originarios del sur de Asia”.

 

Tcheka

Born in a remote area of Santiago, one of the East African islands of Cape Verde—home of the great Cesaria Evora—Tcheka (a.k.a. Manuel Lopes Andrade)seems to have brought a sense of intimate solitude to his stunning guitar and vocal music. Still, he grew up in a musical family—his father was the skilled violinist Nhô Raul Andrade—and he was forced to pick up the guitar to play in the family band. Eventually, he became obsessed with music. Over the years he’s managed to transform a variety of styles indigenous to the islands in his own musical image, absorbing the melodic shapes and rhythms of the batuku, funaná, finason, tabanka, coladera, and the famously sorrowful morna into a gentle hybrid of startlingly lyric beauty and hushed sensitivity. Writing about his comparatively extroverted 2007 album Lonji—produced by the Brazilian star Lenine--Peter Margasak of the Chicago Reader said,“With his nimble acoustic guitar and sweet wisp of a voice, he's created a soulful singer-songwriter style that ripples with the insinuating rhythms of the batuque, a kinetic traditional music that was once performed only by women.” On his follow up recording he crossed further bridges, collaborating with the great Malagasy accordionist Regis Gizavo, stretching his style across Africa to the other coast. His stunning new album Boka Kafé is a solo effort that lays his dazzling technique bare, putting all of the emphasis on his deft, jazzy finger-picking on acoustic guitar and his supple, soulful voice, which possesses such elastic versatility that some have compared it to the mighty Salif Keita.

Bio in Spanish

Tchecka, cuyo nombre de pila es Manuel López Andrade, nació en un área remota de Santiago, una de las islas de África oriental de Cabo Verde y tierra natal de la gran Cesaria Evora. Es un artista que le brinda un sentido de íntima soledad a su extraordinaria música de canto y guitarra quien se crió una familia musical; su padre era el violinista hábil llamado Nhô Raul Andrade. A Tcheka se le obligó empezar a tocar la guitarra y unirse al conjunto familiar más a la larga, se obsesionó con la música. A través de los años ha podido transformar una variedad de estilos originarios de sus islas a su propia imagen musical, incorporando las figuras y configuraciones melódicas y rítmicas del batuku, funaná, finason, tabanka, coladera, y la tan famosamente melancólica morna, todo dentro de un híbrido delicado de sorpresiva belleza lírica y quieta sensibilidad. Al escribir de Lonji, su álbum del 2007 que fue producido por la estrella brasileña Lenine y en comparación es bastante extrovertido, Peter Margasak del Chicago Reader dijo, “Con su ágil guitarra acústica y delicada voz, ha creado un estilo de cantautor lleno de soul que se mueve con los ritmos insinuantes del batuque, música tradicional cinética que anteriormente solamente tocaban las mujeres”. En su siguiente grabación cruzó otros puentes, colaborando con el gran acordeonista Regist Gizavo de Malasia, extendiendo su estilo a través de África hasta la otra costa. Boka Kafé, su extraordinario álbum nuevo como solista, pone al desnudo su técnica deslumbrante, destacando su ágil estilo jazzista de tocar la guitarra acústica y su fluida voz llena de soul, tan plena de una versatilidad elástica que algunos lo comparan al gran Salif Keita.

Country of Origin/Based: Cape Verde

Genre: Batuque to the electro-acoustic guitar

Learn More:

tchekamusic.com

www.youtube.com

www.youtube.com

myspace.com/tchekacaboverde

tchekamusic.bandcamp.com

www.last.fm/music/Tcheka

 

Trio da Kali

Mali’s Trio da Kali has only existed as a performing unit since 2012, but its collective pedigree is impressive, indeed. The group’s dynamic, commanding singer Hawa Kassé Mady Diabaté is the daughter of the legendary Kassé Mady Diabaté, one of the nation’s most storied and versatile vocalists; its musical director is balafon master Lassana Diabaté, a well-travelled player who has worked extensively in various projects led by the kora great Toumani Diabaté including the Symmetric Orchestra and Afrocubism, as well as Salif Keita and Tiken Jah Fakoly; n’goni player Bassekou Kouyate has learned from his father, who not only gave him the same name, but instilled in him the same dazzling virtuosity. The trio originally came together as part of an ambitious collaborative project with the great American string ensemble Kronos Quartet, an ongoing endeavor that will bear serious fruit this September when the full-length album they made together, Ladilikan, is finally released. Years in the making, the collection achieves a stunning fusion of east and west that neuters neither side of the marriage, Kronos leader David Harrington forging arrangements that beautifully complement the earthy, lyric Malian lines and lift up Hawa’s lithe but full-bodied singing. As Joshua Kosman of the San Francisco Chronicle wrote of a collaborative performance in 2013, “The collaboration with the remarkable Trio Da Kali offered one of the [Kronos Quartet’s] most arresting cross-cultural projects in years... their rendition of ‘Tita," a reflective yet urgent love song from Western Mali, was a knockout.” But as a self-titled Trio Da Kali ep from 2015 makes plain, they transmit quiet soul and lyric sophistication all by themselves, with Hawa soaring over the hypnotic mesh of liquid, vibraphone-like balafon patterns and the twangy, cascading lines of Kouyate’s agile n’goni. Together they personify a chamber-like intimacy in navigating centuries old Mande traditions.

Bio in Spanish

El Trio da Kali de Mali ha existido como trío únicamente desde el 2012, pero su pedigrí colectivo es realmente impresionante. Hawa Kassé Mady Diabaté, hija de la gran Kassé Mady Diabaté, es la cantante dinámica central y es la una de las más versátiles y aclamadas vocalistas de esa nación; el director musical es el maestro de balafón Lassana Diabaté, artista que ha viajado por todo el mundo y ha participado en proyectos extraordinarios dirigidos por el gran maestro de kora Toumani Diabaté como Symmetric Orchestra y Afrocubism y otros con Salif Keita y Tiken Jah Fakoly; el artista de n’goni Bassekou Kouyateel quien aprendió de su padre, que no solamente le dió mismo nombre pero a la par una virtuosidad deslumbrante. El trío se unió originalmente como parte de un ambicioso proyecto colaborativo con el gran conjunto de cuerdas norteamericano Kronos Quartet, un esfuerzo que continúa y que dará fruto en septiembre con el lanzamiento del Ladilikan, el álbum que finalmente grabaron. Se han tardado años en la grabación y en conjunto logran una fusión deslumbrante de oriente con occidente que de ninguna manera neutraliza ningún lado del matrimonio; David Harrington, líder del cuarteto, ha forjado arreglos que complementan las líneas líricas fundamentales de Mali y ensalzan el canto ágil y potente de Hawa. Como ha comentado Joshua Kosman del San Francisco Chronicle en su reseña de un concierto del 2013, “La colaboración con el gran Trio Da Kalii ofrece una de los más fascinantes proyectos multiculturales [de Kronos Quartet] en muchos años... fue increíble su Interpretación de la canción ‘Tita’, canción del occidente de Mali que trata el tema de amor de manera meditativa pero urgente”. Pero como su EP homónimo del 2015 evidencia de manera contundente, el trío por sí mismo transmite una sofisticación lírica y delicada llena de soul, con la voz Hawa volando sobre el tejido hipnótico creado por los patrones líquidos del balafón tocado como si fuera vibráfono y las líneas en cascadas del ágil n’goni de Kouyate. Juntos logran una gran intimidad al navegar tradiciones de siglos de antigüedad de tradiciones mandé. 

Country of Origin/Based: Mali

Genre: Traditional Malian Music

Learn More:

www.triodakali.com

www.facebook.com/triodakali/

soundcloud.com/world-circuit-records

 

Underground System

If anyone doubts that international pull of Afrobeat, the funky post-James Brown style invented in Nigeria by the legendary Fela Anikulapo Kuti in the late 60s, then you need to check out New York’s hard-hitting Underground System. The band is veritable model of multicultural fun. The ten-piece combo was founded by producer Peter Matson and is fronted by Domenica Fossati, a Black Italian raised in Venezuela and Miami, and the rest of the lineup includes members from Brazil, Japan, and the Philippines, in addition to the melting pot in Brooklyn. Underground System further distinguishes itself with a frontline dominated by women, rejecting the support role usually reserved for women in Afrobeat history. Although the group’s horn-driven sound is rooted in the classic sound of Nigeria, the band has embraced club culture, whether doffing its collective to hat to pioneering Big Apple funk minimalists ESG or soliciting a slew of fascinating remixed for its unforgettable debut single “Bella Ciao”—including contributions from artists as diverse as Archie Pelago and Kool & Kass (featuring former Das Racist member Kool A.D.). The group has earned a sterling reputation for its explosive live shows, painstakingly developed through steady performances both at home and around the country over the last few years, including a barn burner of a set last year at Martyrs here in Chicago.

Bio in Spanish

Si existiera cualquier duda del atractivo internacional del afrobeat con funk que surgió posterior a James Brown y fue inventado en Nigeria por el legendario Fela Anikulapo Kuti, se eliminaría con ver a Underground System, contundente banda neoyorquina que además presenta un verdadero modelo la diversidad multicultural. Este conjunto de diez integrantes fue fundado por el productor Peter Matson. Su cantante principal es Domenica Fossati, afroitaliana criada en Venezuela y en Miami. Los demás integrantes son de Brasil, Japón, y las Filipinas, y otras ascendencias que surgen del crisol cultural de Brooklyn. Underground System además se distingue por tener artistas femeninas en papeles protagonistas, rechazando el papel secundario que normalmente se les reserva a las mujeres dentro del género. Aunque el sonido del grupo impulsado por los vientos está arraigado en el sonido clásico de Nigeria, la banda incorpora completamente la cultura de club, ya sea con referencias a ESG, pioneros minimalistas neoyorquinos o a través de una serie de remezclas fascinantes para “Bella Ciao”, su inolvidable canción debut en la que destacaron invitados musicales tan diversos como Archie Pelago y Kool & Kass (con el miembro anterior de Das racist, Kool A.D.) La banda se ha ganado una reputación extraordinaria por sus explosivas actuaciones en vivo que han desarrollado de manera cuidadosa a lo largo de los últimos años en conciertos constantes tanto en Nueva York como en otras partes del país, incluyendo un incendiario set el año pasado aquí mismo en Chicago en Martyrs.

Country of Origin/Based: Brooklyn, NYC

Genre: Afrobeat

Learn More:

undergroundsystembk.com

www.facebook.com/undergroundsystembk

soundcloud.com/undergroundsystem

 

Vox Sambou

Vox SambouHaitian singer and rapper Vox Sambou grew up listening to the music of his native island, absorbing the positive sounds of vodou greats Boukman Eksperyans, but when he moved to the capital city of Port-au-Prince for high school, his musical world began expanding, as the sounds of reggae and hip-hop began filling his head. During the 90s his family managed to flee the violence of Haiti, relocating to Canada where he began the difficult process of assimilation. Ultimately balancing multi-cultural influences became a key interest and after finishing college he settled in Montreal, where in 2004 he participated in a hip-hop symposium that would change his life: he met MCs and musicians from all over the world, and when an opportunity to travel to Cuba for a music festival arose, that community transformed into a group: Nomadic Massive. It was Sambou’s first serious musical endeavor and towards the end of the decade he ventured out on his own, while getting involved in a variety of activist concerns, including Solid’Ayiti, an initiative he cofounded back in Haiti. Since then his music has consistently expanded its reach—it’s all rooted in hip-hop, but soul, reggae, and Haitian styles are crucial ingredients. His 2013 album Dyasporafriken looked to Africa for inspiration—its first two tracks were cut in Bamako and a raft of musicians from the continent played on it. His latest album was made in Brazil, and while sounds from that South American country don’t make a profound impact, the nation’s rich multi-cultural brew certainly fit well with Sambou’s thrilling music.

Bio in Spanish

El cantante y rapero de Haití Vox Samou se crió escuchando la música de su isla nativa, absorbiendo los sonidos positivos de la música vodou del gran Boukman Eksperyans, pero cuando se mudó a la capital de Port-au-Prince a estudiar la secundaria, su mundo musical se amplió y los sonidos del reggae y del hip hop le llenaron la cabeza. En la década de los 90 su familia pudo huir de la violencia de Haití y se mudó a Canadá, donde comenzó el proceso difícil de asimilación. A final de cuentas, el lograr un equilibrio entre sus diversas influencias multiculturales llegó a ser clave para él y después de terminar sus estudios universitarios se estableció en Montreal, ciudad en la cual en el 2014 participó en un simposio de hip hop que cambiaría su vida. Allí conoció a MC’s y músicos de todas partes del mundo y cuando surgió la oportunidad de viajar a Cuba a un festival de música, esa comunidad se convirtió en conjunto: Nomadic Massive. Fue su primer empeño musical serio y a finales de la década se aventuró con su propio grupo y al mismo tiempo participó en una variedad de esfuerzos activistas, incluyendo Solid’Ayiti, una iniciativa que había fundado con otros en Haití. A partir de entonces, no deja de ampliar su abanico de estilos. Sigue arraigado en el hip hop, pero el soul, el reggae y los estilos haitianos son ingredientes claves. Dyasporafriken, álbum del 2013, se inspiró en África y las primeras dos canciones del álbum fueron grabadas en Bamako. Además, una serie de músicos del continente participó en el álbum. Su último álbum fue grabado en Brasil y aunque los sonidos de ese país sudamericano no parecieron tener un impacto profundo, el rico tapiz multicultural de ese país sin duda concuerda con la emocionante música de Sambou.

Country of Origin/Based: Montreal, Quebec

Genre: Creole/Haitian Reggae + Rap

Learn More:

www.voxsamboumusic.com

www.facebook.com

voxsambou.bandcamp.com

 

Yao Ye

This remarkable quartet from China creates music of breathtaking serenity, bringing a chamber-like intimacy to a strain of improvisation that draws upon the instruments and traditions of the member’s homeland but takes it all somewhere very far away. Its members-- Zhu Fangqiong, Jiyun Wang, Jiazheng Li, and Xiaogang Zeng—possess broad cumulative experience, traversing jazz, ambient,western classical, and Chinese traditional music without fitting remotely into any single discipline. The musicians have studied far and wide, collecting those experiences and lessons in pursuit of their own meditative, texture-rich sound made from a mixture of traditional Asian instruments such as the zither-like guzheng or the Japanese end-blown flute known as the shakuhachi, along with the cello, piano, a wide assortment of hand percussion, vocals (including throat singing), and a variety of homemade invented instruments. Together they lock into a hypnotic state that easily connects with listeners—the musicians create entrancing environments that progress over a rumbling but clearly defined pulse, as instruments blend to generate a thrumming, throbbing drone with endless solo ornamentation atop. The performances build from stillness into something churning and magnetic, pulling audiences toward the center of activity; the slow building nature of the work suggest a deep engagement with Indian classical music, but the intuitive structures and melodic elaboration also owe plenty of modern free improvisation practice. Some pieces veer toward intense rhythm and movement, while others hover in place, as if the music is lifting off the ground. It’s a safe bet you’ve never heard anything like it, and after experience Yao Ye you may not listen to anything else in quite the same way.

Bio in Spanish

Este extraordinario cuarteto de la China crea música de increíble serenidad, a través de una íntima improvisación que se fundamenta en instrumentos y tradiciones de la tierra natal de los miembros que trasladan a sitios muy lejanos. Sus integrantes, Zhu Fangqiong, Jiyun Wang, Jiazheng Li y Xiaogang Zeng, poseen amplia experiencia colectiva, incursionando en jazz, música ambient, música clásica occidental y música tradicional de la China sin de ninguna manera caber en una sola disciplina. Los músicos se han formado en partes distantes y variadas, aplicando esas experiencias y lecciones a la búsqueda de su propio sonido meditativo, rico en texturas que surgen de una mezcla de instrumentos tradicionales asiáticos como el guzheng, parecido a la cítara, o la flauta del shakuhachi, que se sopla en un extremo, junto con el chelo,  piano y una amplia variedad de percusión manual, canto (incluyendo canto de la garganta), y una variedad de instrumentos inventados hechos a mano. Juntos establecen un estado hipnótico que fácilmente se conecta con el público. Los músicos crean ambientes cautivantes que van progresando sobre un pulso constante pero claramente definido en el que los instrumentos se mezclan para crear un zumbido monótono y pulsante sobre el cual construyen estilizadas florituras y ornamentación solista. Las actuaciones surgen del silencio y se convierten en algo magnético y transformador, atrayendo al público hasta el centro de la obra cuya naturaleza al construirse lentamente, sugiere la influencia de la música clásica de la India, pero las estructuras intuitivas y la elaboración melódica también le deben mucho a la libre improvisación moderna y contemporánea. Algunas de las piezas tienden a movimiento y ritmo intenso, mientras que otras se mantienen merodeando en un sitio, como si la música estuviera a punto de despegar de la tierra. Sin duda alguna nunca ha escuchado usted nada que se le parezca, y después de experimentar a Yao Ye, posiblemente nunca sea igual su experiencia con otras músicas.

Country of Origin/Based: China