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Actores Alidos

Actores AlidosActores Alidos practices the venerated Sardinian legacy of five-part vocal polyphony. Singers Valeria Pilia, Manuela Sanna, Roberta Locci, and Valeria Parisi (all of whom double on percussion) perform mostly a cappella historic and contemporary love songs, dances and laments alongside multi-instrumentalist Orlando Mascia. Actores Alidos’ songs also reflect valued social ideals and religious rites. While this repertoire has traditionally been the role of male choirs, this ensemble’s arrangements for women voices is just one way that this ensemble has brought an original take on the heritage. The group, which began as part of an Italian theatrical company, has also reached across the planet for collaborators. Its 2016 Galanias (Beautiful Things) includes a guest appearance from Tuvan throat singer Sainkho Namtychylak.

Bio in Spanish

Actores Alidos son exponentes del venerado legado de polifonía a cinco voces de Cerdeña. Los cantantes Valeria Pilia, Manuela Sanna, Roberta Locci, y Valeria Parisi (todos quienes también tocan percusión) presentan cantos históricos y contemporáneos de amor, danzas y lamentos mayoritariamente a capella al lado del multi instrumentista Orlando Mascia. Las canciones de Actores Alidos también reflejan valorados ideales sociales y ritos religiosos. A pesar de que el repertorio de este género ha sido normalmente dominio tradicional de coros masculinos, los arreglos de este conjunto para las voces femeninas es una de las muchas maneras en la cual presenta una perspectiva original del patrimonio musical de la isla. El grupo originalmente fue fundado como compañía de teatro italiana; también ha incorporado colaboradores de lejanas partes del planeta. Su grabación del 2016 Galanias (Cosas Hermosas) incluye como invitado a Sainkho Namtychylak, cantante de garganta de Tuva.

Origin/Based: Italy (Sardinia)

Learn More: www.actoresalidos.com/galanias/

 

Altan

AltanAltan has been the premier ambassadors of traditional Irish music for more than 35 years. Originating in the northwest County Donegal, singer/fiddler Mairéad Ní Mhaonaigh founded the group with flutist Frankie Kennedy (who died in 1994). While the band has always been devoted to Gaelic language fiddle tunes, it has also embraced different sounds without sacrificing the music’s essence. These include the arrangements for its singular combination of instruments. Bouzouki player Ciarán Curran’s Greek lute fits in alongside Mhaonaigh, accordionist Máirtín Tourish and guitarists Dáithí Sproule and Mark Kelly. Altan also explored the cultural connections between Ireland and Appalachia when it recorded its 2015 disc The Widening Gyre in Nashville with such guests as Americana star Mary Chapin Carpenter. The group’s most recent recording, The Gap Of Dreams, combines time-honored Donegal reels alongside new compositions from the group, and its members’ children.

Bio in Spanish

El conjunto Altan ha sido embajador de la música tradicional irlandesa por más de 35 años. La banda nació en el condado de Donegal en el noroeste de Irlanda, fundada por el cantante/violinista Mairéad Ní Mhaonaigh con el flautista Frankie Kennedy (quien falleció en 1994). Aunque la banda se ha dedicado siempre a las canciones con violín en el idioma galés, también ha incorporado diversas melodías y ritmos sin sacrificar la esencia de su música, la cual incluye arreglos únicos para su combinación tan inusual de instrumentos. El músic de bouzouki Ciarán Curran con su luta griega acompaña perfectamente a Mhaonaigh, el acordeonista Máirtín Tourish Dáithí Sprouy y el guitarrista Mark Kelly. Altan también ha explorado los nexos culturales entre Irlanda y Appalachia en su álbum del 2015 The Widening Gyre, grabado en Nashville con invitados tales como la estrella norteamericana Mary Chapin Carpenter. La grabación más reciente de la banda, The Gap Of Dreams, une cantos antiguos de Donegal junto con nuevas composiciones de la banda y de los hijos de los integrantes.

Origin/Based: Ireland

Learn More: altan.ie/

 

Andreas Kapsalis

Andreas KapsalisChicago guitarist Andreas Kapsalis has a technique of his own, which he brings to a world of diverse musical idioms. Largely self taught, he developed what he calls “10-finger tapping,” which involves approaching the strings as if he were playing piano. The results mean he can play melodic and rhythmic parts simultaneously along with a range of original harmonies. Kapsalis grew up listening to the Greek folk music of his grandparents, but this is just one ingredient in his compositions. He has also mentioned drawing from surf rock, flamenco, Indian ragas, jazz and blues. His projects include The MAK Duo with vocalist/bassist Megitza and AKGI Duo with guitarist Goran Ivanovic, both of which incorporate music from the Balkans. Along with scoring such films as Mulberry Street, Kapsalis’ compositions comprise his solo discs Anastasi and Live At The Old Town School Of Folk Music.

Origin/Based: Chicago

Learn More: www.akguitar.com/ I www.facebook.com/Andreaskapsalisguitar/www.youtube.com

 

Beatdown Soundsystem

Beatdown SoundsystemChicago’s Beatdown Soundsytem, featuring Kinky P and Chuck Dubshine, regularly livens up parties across the city with its bass-heavy mix of Jamaican dub, dancehall, hip hop and funk. This DJ collective has also mixed it up with such international MCs as Scotland’s Soom T. Beatdown Soundsystem has been especially active during the 2018 summer party season, working at events in a range of different neighborhoods throughout the city while also posting up a series of mixtapes on Soundcloud.

 

 

 

 

 

Ceci Bastida

Ceci BastidaBorn in Tijuana, Mexico, and residing in Los Angeles, singer/songwriter Ceci Bastida’s music reflects sounds and ideas from both sides of the border. She began her career as the teenage singer of the Mexican ska band Tijuana No!, taught middle school history and then played keyboards for singer Julieta Venegas. In 2010, Bastida released her solo debut, Veo La Marea (I See The Tide), which addressed such topics as violence in Mexico and immigration while also reflecting her fascination with hip hop. Her 2014 disc, La Edad De La Violencia (The Age Of Violence), was a response to the 2012 Sandy Hook Elementary School shootings, and remains strikingly relevant today. She delivers these messages through mixing shimmering electronic pop with a horn section that would fit right in with Mexican Norteño music.

Bio in Spanish

Nacida en Tijuana, México, la cantautora Ceci Bastida reside en Los Ángeles, Su música refleja los sonidos e ideas musicales de ambos lados de la frontera. Comenzó su carrera como cantante juvenil de la banda mexicana de ska Tijuana No!, posteriormente fue profesora de secundaria enseñando la materia de historia y después fue la tecladista de la cantante Julieta Venegas. En el 2010, Bastida lanzó su debut como solista, Veo La Marea, álbum que se dirigió a temas como la violencia en México y la inmigración y a la par, reflejó la fascinación de la artista con el hip hop. Su grabación del 2014, La Edad De La Violencia, compuesta en parte en respuesta a los fallecidos en la balacera del 2012 en la escuela de primaria de Sandy Hook, sigue siendo sumamente relevante al día de hoy. Bastida comunica estos mensajes a través de un pop electrónico brillante acompañado de vientos los cuales podrían concordar perfectamente con la música norteña mexicana.

Learn More: www.cecibastidamusic.com/ I www.facebook.com/cecibastidamusic I twitter.com/cecibastida

 

Chéjere

ChéjereChéjere’s informs rootsy acoustic string-driven Mexican son with flamenco, samba and Afro Peruvian music. Formed in Mexico City 22 years ago, group leader and multi-instrumentalist Alonso Borja established his ensemble’s expertise in this tradition that also originated as a mixture, primarily combining Spanish, indigenous Mexican and African musical influences. Each region of Mexico features different styles of son and Chéjere absorbed them all and went on to become global advocates for these sounds. Its 2012 disc Ojos De Luna (The Moon’s Eyes) emphasizes the group’s original compositions with its evocative depictions of nature and conscious calls to end violence. The recording also shows off the group’s improvisational skills. That expertise continues today with as the current lineup also includes violinist Ulises Martínez, bassist Jorge Luis Cortés, percussionist Mariel Henry and singer Natalia Cobos.

Bio in Spanish

Chéjere alimenta su son mexicano acústico y pleno de cuerdas con el flamenco, la samba y la música afroperuana. Integrado en la ciudad de México hace 22 años y dirigido por el líder de la banda y multi instrumentista Alonso Borja, el conjunto se ha establecido como uno de los máximos exponentes de esta tradición que originó como una mezcla de influencias musicales que provienen principalmente de las raíces de tres pueblos: españoles, originarios mexicanos y africanos. Cada región de México tiene su estilo de son diferente y Chéjere los ha absorbido todos; han llegado ser representantes de estos sonidos a nivel global. El álbum del 2012 Ojos De Luna destaca las composiciones originales de la banda con descripciones evocativas de la naturaleza y llamados conscientes a dejar atrás la violencia. La grabación también destaca las habilidades improvisatorias de los miembros de la banda. Esa pericia continua el dia de hoy con los integrantes actuales los cuales incluyen el violinista Ulises Martínez, el bajista Jorge Luis Cortés, la percusionista Mariel Henry y la cantante Natalia Cobos.

Origin/Based: Mexico

Learn More: www.facebook.com

 

Cheick Hamala Diabate

Cheick Hamala DiabateWhen Malian master musician Cheick Hamala Diabate toured the United States for the first time in 1995, he brought 800 years of musical heritage with him. Coming from a long line of musical griots, he proved his expertise on the n’goni (West African stringed lute) as a child and studied the guitar with his famous uncle, Djelimady Tounkara. After attending the prestigious National Institute of Arts in Bamako and working with a legion of his country’s stars, he began investigating American traditions. Now living in Washington, D.C., he demonstrates how much the n’goni resembled the American banjo and may have been its ancestor. This deep interest led to collaborations with bluegrass/jazz banjo player Bela Fleck and blues guitarist Corey Hart. His 2009 album Ake Doni Doni (Take It Slow) is an invigorating combination of all of these idioms from both sides of the Atlantic. Along with working in a host of different ensembles, Diabate also choreographs U.S.-based African dance companies.

Learn More: cheickhamala.com/ I www.facebook.com/cheickhamala I twitter.com/CheickHamalaD

 

Chicago Folklore Ensemble

The Chicago Folklore Ensemble has been creating musical conversations among the city’s diverse immigrant communities since 2015. Violinist Lucia Thomas and Sam Hyson founded the group to pass on lessons they learned from their Serbian instrumental mentor, Jovan Mihailović. After embracing his Balkan melodies and stories, Thomas and Hyson collected musical narratives from across Europe, the Middle East, Africa, South America and Southeast Asia. Its works include Where Rivers Meet, which features Arab music; environmentally conscious Follow The Butterfly; and The World In Chicago, a spotlight on international artists who have made this city their home. The World In Chicago is also the name of its combined book and CD project that features oral histories from these musicians. Viola player Robert Fisher, storyteller Sojourner Zenobia along with cellists Khari Lemuel and Ellen Frolichstein complete the ensemble.

Bio in Spanish

Chicago Folklore Ensemble ha estado en la labor de crear diálogos musicales entre las diversas comunidades inmigrantes de la ciudad desde el 2015. La violinista Lucia Thomas y Sam Hyson fundaron el conjunto para pasar el legado que habían aprendido de Jovan Mihailović, su mentor instrumental. Después de incorporar sus melodías e historias, Thomas y Hyson recopilaron narrativas musicales de toda Europa, el Medio Oriente, África, Sudamérica, y el sureste de Asia. Estas obras incluyen Where Rivers Meet en la que se destaca la música árabe; la música de conciencia ambientalista de Follow The Butterfly; y The World In Chicago, que destaca la obra de artistas internacionales quienes han hecho de Chicago su hogar. The World In Chicago también es el nombre del proyecto que une un libro y grabación en CD que incorpora las historias verbales orales de dichos músicos. El artista de viola Robert Fisher, la cuentista Sojourner Zenobia y los violonchelistas Khari Lemuel y Ellen Frolichstein son los demás integrantes de Chicago Folklore Ensemble.

 

Chinese Mongolia Band

Chinese Mongolia BandThe Chinese Mongolia Band takes its name from the ancient nation to the north of China, and from this country’s musical traditions that also stretch back centuries. This music of vast grasslands and deserts features soaring vocal lines with such instruments as two-string and four-string fiddles along with three-holed pipes. But the music’s world renowned features are the overtones of its throat singers (much like its neighbor Tuva). Band leader Bao Suolian is from the China Railway Art Troupe, which has staged theatrical performances in the country since 1950. Other performers in Mongolia include AoYun Gerile a mezzo soprano from the China National Opera and Dance Drama Theater. This ensemble also includes the traditional dance performer Zhang Le.

 

Combo Chimbita

Combo ChimbitaCombo Chimbita is based in New York City, its music reflects the band’s Colombian heritage, but its vision focuses on the future or, to put it in their words, “tropical futurism.” For the group, this term means envisioning a new world while embracing its distinctively Latin American traditions. Drawing heavily from South American cumbia rhythms, singer Carolina Oliveros, guitarist Niño Lento, drummer Dilemastronauta and bassist Prince Of Queens add in a psychedelic mixture of rock guitars, free jazz, salsa, Haitian kompa, reggae, hip hop and heavy metal-inspired vocals. All of these sounds shaped its 2016 EP El Correador Del Jaguar and recent full-length debut, Abya Yala. Both recordings revolve around the story of a sacred jaguar that visits people when they’re dreaming. Songs like “Dame Tu Mano” (Give Me Your Hand) emphasize strong repeated bass lines and driving percussion to propel that account of spiritual journeys.

Bio in Spanish

Combo Chimbita es grupo basado en la ciudad de Nueva York, pero su música refleja el legado musical colombiano de sus integrantes. Sin embargo, su visión musical se enfoca en el futuro, o para usar el propio término con el que autodenominan su género, el ‘futurismo tropical’. Para la banda, estas palabras se refieren a la visión de un nuevo mundo más al mismo tiempo incorporan tradiciones singularmente latinoamericanas. Sobre una base de influencias de los ritmos de la cumbia sudamericana, la cantante Carolina Oliveros, el guitarrista Niño Lento, el baterista Dilemastronauta y el bajista Prince of Queens añaden una mezcla psicodélica de guitarras de rock, jazz libre, salsa, kompa haitiano, reggae, hip hop, y cantos metaleros. Todas estas influencias forjan el EP El Corredor del Jaguar y su reciente elepé debut, Abya Yala. Ambas grabaciones se centran en la historia de un jaguar sagrado que visita a las personas cuando sueñan. Canciones como “Dame Tu Mano” hacen énfasis en líneas del bajo que se repiten y una percusión que impulsa los relatos de viajes espirituales.

Origin/Based: New York City

Learn More: www.combochimbita.com/ I www.facebook.com/combochimbita/ I twitter.com/combo_chimbita I soundcloud.com/combo-chimbita

 

Delgres

DelgresFrench singer/dobro guitarist Pascal Danae reached back to the music and stories of his Guadeloupian parents for his trio Delgres. The band took its name from Louis Delgrès, a French army officer who died resisting Napoleon’s efforts to enforce slavery in Guadeloupe. And the band’s Creole language songs reflect these Caribbean origins—especially quadrille and beguine dances. The band also celebrates its musical connections to America, including blues and funk through drummer Baptiste Brondy. Sousaphone player Rafgee was recruited because of Danae’s passion for New Orleans brass bands. This year, the group released its debut album, Mo Jodi. The title track—which translates as “I’ll Die Today”—is a stirring tribute to the leader of the rebellion that also gave this band its name. Other songs, like “Mr. President,” are appeals for people’s voices to be heard today. For Danae, Delgres comes after a long personal journey accompanying some of music’s biggest international stars, including Youssou N’Dour, Peter Gabriel and Harry Belafonte.

Bio in Spanish

Para el trío Delgres, el cantante francés y músico de dobro Pascal Danae se remonta a la música de las historias de sus padres, quienes provienen de Guadalupe. El trío tomó el nombre de Louis Delgrés, oficial del ejército francés quien murió al resistir los esfuerzos de Napoleón de preservar la esclavitud en Guadalupe. El idioma criollo de las canciones de Delgres también refleja sus orígenes caribeños, especialmente en las danzas de la cuadrilla y el biguine. La banda también celebra sus nexos musicales con América, incorporando el blues y el funk a través del baterista Baptiste Brondo. Danae reclutó al artista de sousafón Rafgee debido a su gran afición por las bandas de metales de Nuevo Orleans. Este año, Delgres lanzó su álbum debut, Mo Jodi. La canción titular, cuyo título significa “yo moriré el día de hoy” es un tributo emocionante al líder de la rebelión que le dio el nombre a la banda. Otras canciones tales como “Señor Presidente” son reclamos a favor de que hoy día se escuchen las voces del pueblo. Danae fundó Delgres después de un viaje largo personal en el que acompañó a algunas de las estrellas más brillantes de la música internacional, inclusive Youssou N’Dour, Peter Gabriel y Harry Belafonte.

Origin/Based: Guadeloupe

Learn More: www.delgresmusic.com/ I www.facebook.com/Delgresband/ I twitter.com I www.youtube.com

 

East Meets Middle East

East Meets Middle EastConnecting cultures from across South Asia and the Arab world, East Meets Middle East (EMME) is a Chicago-based collective that includes Indian tabla player Subrata Bhattacharya and sarod musician Abhisek Lahiri along with Ronnie Malley on oud (Arabic lute) and percussionist George Lawler. EMME’s origins began when Malley and Bhattacharya met in 2016 and discussed a recent attack on a Sikh temple in Milwaukee that the killer had mistaken for a mosque. This led to a conversation about the similarities and distinctions between Indian and Arab cultures and how they could use music to bring this awareness to a wider audience. Later that year, the group released its self-titled debut album of original compositions and extended improvisational flights. In 2017, the group performed at the renowned Jaipur Literature Festival in Rajasthan which gave them the opportunity to collaborate with artists from across northwest India and Afghanistan. Malley also used EMME’s music for a stage production of Charles Dickens’ novel Great Expectations, with the story moved to the Bengali city in Kolkata.

Learn More: www.youtube.com I www.youtube.com

 

Emilia Amper

Emilia AmperSwedish musician Emilia Amper not only combines traditional Nordic folk music with a host of international ideas, her work is also part of a heritage rescue mission. Amper plays the nyckelharpa, which is often described as a “keyed fiddle.” This distinctive bowed stringed instrument also uses keys to create different notes. While the nyckelharpa dates back to the middle ages, it had become almost abandoned by the 1950s. But Amper has been a leader in bringing it back to the forefront. Also a forceful singer and composer, her own pieces derive from her extensive classical training and time as a featured performer with the Trondheim Soloists ensemble in Norway. Amper’s 2016 disc Lux combines her own compositions with traditional Scandinavian songs. Throughout her career, she has also worked in collaborations with Kurdish, Indian, West African, Persian and Arabic performers as well as numerous rock and jazz artists.

Bio in Spanish

La artista musical sueca Emilia Amper no solo combina la música tradicional nórdica con conceptos internacionales, su misma obra es parte de una misión de rescate cultural. Amper toca la nyckelharpa (del sueco "llave-instrumento de cuerda) la cual frecuentemente se describe como “viola de teclas.” Este instrumento de cuerdas tan singular también usa teclas para crear diversas notas. Aunque la nyckelharpa data de tiempos medievales, para la década de los cincuentas ya se había abandonado casi completamente como instrumento musical y Amper ha sido líder en recuperar la merecida importancia del instrumento. Compositora y cantante potente, sus propias composiciones se derivan de una extensa capacitación clásica y el tiempo que pasó en calidad de artista principal con Trondheim Soloists en Noruega. La grabación de Amper del 2016 Lux une sus propias composiciones con canciones tradicionales escandinavas. A través de su carrera, ha trabajado en colaboraciones con músicos kurdos, de la India y del África occidental, persas y árabes, y al igual numerosos artistas de rock y jazz.

 

HAT

H.A.T.Hatim Belyamani—who performs under the name HAT—is an accomplished Moroccan-American multi-instrumentalist and d.j. who uses traditional genres as source material for digital remixes. Growing up in Morocco, Belyamani performed as a classical pianist as well as heavy metal guitarist. After studying jazz, composition, electronic music and ethnomusicology at Harvard University, he switched gears and became a senior manager at Apple. Six years ago, he formed the nonprofit remix<— —>culture artists collective which blends global musical performances with experimental video productions. Belyamani frequently draws from field recordings he completed across Morocco, including rituals in remote parts of the country and uses them for live video remix presentations. He also includes in his remixes recordings he made in Brazil and China.

Bio in Spanish

Hatim Belyamani, quien usa nombre artístico HAT, es DJ productor multi instrumentista marroquí y norteamericano quien usa géneros tradicionales como la piedra angular de de sus mezclas remezclas digitales. Criado en Marruecos, Belyamani ha presentado conciertos no solo como pianista clásico sino como guitarrista metalero. Después estudiar jazz, composición, música electrónica y etnomusicología en la Universidad de Alberta, Belyamani hizo transición a un importante puesto de gerencia en la compañía Apple. Hace seis años, fundó la organización sin ánimo de lucro llamada “remix<— —>culture” la cual es un colectivo de artistas quienes unen actuaciones de música global en vivo con producciones experimentales de vídeo. Para sus remezclas de video en directo, Belyamani usa frecuentemente grabaciones en el campo que hizo en Marruecos, las cuales incluyen rituales gnaoua en partes remotas del país. También incluye en estas mismas remezclas grabaciones que realizó en Brasil y China.

 

Innov Gnawa

Innov GnawaBased in New York, Innov Gnawa delves into ancient Moroccan gnawa music, an ancient heritage that has become globally acclaimed. Gnawa is the ritual—some would say “trance music”—that derived from the songs of former slaves and migrants from southern Mali and Mauritania. Over time, it also absorbed Arabic sounds and dialects. Jazz and rock artists became fascinated with the all-night gnawa spiritual gatherings and started incorporating the music into their own sound since the 1960s. But this group also brings its own subtle updates to the sound without compromising its integrity. Alongside the traditional sintir (lute) and metal qarqaba (castanets), Innov Gnawa includes an array of African strings and percussion—which may also be bringing gnawa back to its original sub-Saharan sources. Vocalist Maalem Hassan Ben Jaafer leads this group of Moroccan expats, which includes Samir Langus, Amino Belyamani, Ahmed Jeriouda and Nawfal Atiq.

Bio in Spanish

Basada en Nueva York, esta banda profundiza en el patrimonio antiguo de la música gnaoua de Marruecos, legado ancestral que ha llegado a ser influencia musical a nivel global. Se trata de un rito—-algunos dirían de música de trance—-que se deriva de las canciones de migrantes y personas esclavizadas del sur de Mali y de Mauritania. A lo largo del tiempo, también absorbió sonidos y dialectos árabes. Las reuniones espirituales de gnaoua que duran toda la noche han llegado a fascinar a diversos artistas de jazz y rock desde la década de los sesenta, y a partir de ese entonces empezaron a incorporar esa música a su propio sonido. Más esta banda también aporta sus propios sutiles ajustes contemporáneos al sonido sin afectar la integridad de las tradiciones. A lado de la luta tradicional (sinri) y las castañetas metales (qarqaba), Innov Gnawa incluye una serie de instrumentos de cuerda y percusión africana, quienes posiblemente estén retornando al gnaoua a sus fuentes originales del África subsahariana. El vocalista Maalem Hassan Ben Jaafer es líder de este grupo de expatriados marroquíes, los cuales incluyen Samir Langus, Amino Belyamani, Ahmed Jeriouda y Nawfal Atiq.

Origin/Based: New York City

Learn More: innovgnawa.com I www.facebook.com/innovgnawa/ I twitter.com/InnoVeGnawa I https://vimeo.com/search?q=innov+gnawa

 

Juana Molina

Juana MolinaWhile Juana Molina usually sings in hushed tones, with shimmering electronic effects and acoustic guitars lending evocative textures, her initial notoriety in Argentina came as a television comedienne. Like Molina’s switch in media, her music also centers on exploring contrasts, rather than on conventional song structures. Since she began recording in the mid 1990s, Molina has drawn on different folk sounds from across South America. But Molina explores this vast range through minimal chord changes. Rather than emphasize melodies, her records delve into how different sounds complement or contrast with each other. Her seventh and most recent album, Halo, from 2017, exemplifies all of these elements. A haunting narrative running throughout the disc focuses on the legend of “luz mala” (evil light), that floats above cemeteries. Sometimes she tells this story without lyrics, as her voice evokes darkness through wordless vocals. All the while, her off-centered rhythms and trance-like ambiance brings the audience into her dark spaces.

Bio in Spanish

Juana Molina presenta su canto en tonos callados, con efectos electrónicos destellantes y guitarras acústicas, lo que le aporta múltiples texturas evocadoras. Más se volvió famosa en su país natal de Argentina como comediante en la televisión. Al igual que su transformación en cuanto a medios de comunicación, su música también se centra en la exploración de los contrastes, en vez de aplicar las estructuras convencionales del canto. A partir de que comenzó a grabar a mediados de la década de los 90, la música de Molina se ha alimentado de diferentes sonidos folclóricos de todas partes de Sudamérica, aunque Molina explora este tan extenso rango a través de cambios de acordes mínimos. En vez de enfatizar melodías, sus grabaciones profundizan en la manera en la que diferentes sonidos complementan o contrastan el uno con el otro. Su séptima y más reciente grabación del 2017, Halo, es ejemplar muestra de todos estos elementos. El evocador relato de la leyenda de la luz mala que flota por encima de los cementerios es el hilo narrador que une la grabación. A veces se cuenta la historia sin palabras y la misma voz de Molina evoca la oscuridad; a la par, los ritmos intermitentes que crea y el ambiente de trance transportan el público a las penumbras de sus espacios.

Origin/Based: Argentina

Learn More: juanamolina.com I www.facebook.com/juanamolinamusic/ I www.youtube.com

 

Jupiter & Okwess

Jupiter & OkwessCongolese musician Jupiter Bokondji Iloa is the son of a diplomat and he absorbed Western pop, jazz and funk during his international upbringing. He combined these sounds with an array of African idioms in the 1980s when he returned to Kinshasa and joined the band Okwess (which is the Kibunda word for food). Rather than playing the country’s popular soukous sounds, the group emphasized its own take on regional rhythms and languages from throughout the Congo. This mixture comes across through the constantly shifting interplay between guitarists Eric Malu-Malu and Richard Kabanga. Other songs highlight the rapid beats known as bonyoma. All of these sounds are relentlessly danceable. Nicknamed “The Rebel General,” Jupiter’s socially conscious songs advocate for such issues as women’s rights (“Margarita”) and against armed conflict (“Bengai Yo”). The group’s recent disc, Kin Sonic, includes contributions from guest rock musicians as violinist Warren Ellis of The Bad Seeds and keyboardist Damon Albarn of Gorillaz.

Bio in Spanish

El músico congoleño Jupiter Bokondji Iloa es el hijo de diplomático y absorbió una gran diversidad de sonidos occidentales. Los unió a una gran serie de estilos africanos en la década de los ochenta cuando regresó a Kinshasa y se unió a la banda Okwess (la cual es la palabra en el idioma kibunda que significa “comida”). En vez de tocar los ritmos populares de su tierra natal como el soukous, el conjunto ha hecho hincapié en su propia interpretación de los ritmos e idiomas regionales de todo el Congo. Esta mezcla se percibe en el diálogo constantemente intercambiante entre los guitarristas Eric Malu-Malu y Richard Kabanga. Otras canciones destacan los ritmos rápidos conocidos como ‘bonyoma’. Todos estos sonidos son sumamente bailables. Bajo el apodo de “El General Rebelde” las canciones de Jupiter manifiestan una conciencia social como por ejemplo, temas a favor de los derechos femeninos (“Margarita”) y en contra del conflicto armado (“Bengai Yo”). La última grabación de la banda, Kin Sonic, incluye contribuciones de músicos de rock invitados tales como el violinist Warren Ellis de The Bad Seeds y el tecladista Damon Albarn de Gorillaz.

Origin/Based: Congo

 

La Dame Blanche

La Dame BlancheParisienne singer/flautist/percussionist Yaite Ramos Rodriguez—a.k.a. La Dame Blanche—creates her own compelling electronic fusion of hip hop, Colombian cumbia, Jamaican dancehall dance rhythms. Born to a musical family in Cuba, her trombonist father Jesus “Aguaje” Ramos served as artistic director of the famed Orquesta Buena Vista Social Club. She also received extensive musical training, studying classical flute at Havana’s prestigious Escuela Nacional De Arte De Cuba. After moving to Paris, she performed hip-hop vocals on the city streets and took her ironic name from the ghost in Francois-Adrien Boieldieu’s opera of the same name. But Afro-Cuban culture remains pronounced in La Dame Blanche’s work, especially in her 2018 disc Bajo El Mismo Cielo (Under The Same Sky). Along with French producer and engineer Marc “Babylotion” Damblé, her songs describe lives of people in Cuban neighborhoods and her lyrics also draw on the spirituality of the Santeria faith.

Bio in Spanish

La cantante, flautista, y percusionista parisiense Yaite Ramos Rodriguez, también conocida como La Dame Blanche, crea sus propias fusiones cautivantes de electrónica con hip hop, cumbia colombiana y ritmos del dancehall jamaiquino. Nació en el seno de una familia musical en Cuba y su padre es el trombonista Jesús “Aguaje” Ramos, quien fuera director artístico de la famosa orquesta Buena Vista Social Club. También recibió capacitación extensa a nivel musical, estudiando la flauta clásica en la prestigiosa escuela Nacional de Arte de Cuba. Después de mudarse a París, cantó hip-hop en las calles de la ciudad. Tomó su nombre irónico del fantasma de la ópera homónima de Francois-Adrien Boieldieudel. Más la cultura afro cubana sigue siendo un factor importante en la obra de La Dame Blanche, sobre todo en su disco del 2018 Bajo El Mismo Cielo. Junto con el productor ingeniero francés Marc “Babylotion” Damblé, sus canciones describen la vida de la gente de los barrios cubanos. Sus letras también surgen de la espiritualidad de la fe santera.

Origin/Based: Cuba

Learn More: ladameblanche.bandcamp.com/

 

Lo Còr De La Plana

Lo Còr De La Plana (Photo by: Santi Oliveri)Based in Marseille on the Mediterranean coast of France, Lo Còr De La Plana have developed a vocal style that embraces the region and beyond. Manu Théron founded the group in 2001 to create a form of male polyphonic singing that draws from similar traditions in Italy and the drones of North Africa music along with Western chamber minimalism and rock. Only the singers’ claps, stomps and hand drums accompany their rich and energetic harmonies. Tight arrangements also allow room for improvisational flights. Lo Còr De La Plana’s songs also delve into a complex array of themes. Some of its repertoire includes accounts of pagan monsters battling with early Christian saints. Other pieces describe such current social themes as poverty and political revolutions. Still, some of its most popular songs may be the group’s versions of Christmas carols. Along with Theron, the ensemble includes Rodin Kaufmann, Benjamin Novarina Giana, Denis Sampieri and Sébastien Spessa.

Bio in Spanish

Originarios de la ciudad de Marsella en la costa del Mediterráneo de Francia, los integrantes de Lo Còr De La Plana han desarrollado un estilo vocal que incorpora esa región y más allá de ella misma. Manu Théron fundó el grupo en el 2011 para crear una especie de canto polifónico masculino que se nutre de tradiciones italianas parecidas y de los efectos ‘drone’ de la música de África del Norte a la par de alimentarse del minimalismo de la música de cámara y el rock occidental. Lo único que acompaña a las ricas y vibrantes armonías de los cantantes son la percusión de palmadas, golpes de pie y tambores de mano. Más sus arreglos precisos también permiten momentos de improvisación. Las canciones de Lo Còr De La Plana manejan un una serie compleja de temas. Parte del repertorio incluye narraciones de monstruos paganos quienes luchaban en batalla con los primeros santos cristianos. Otras canciones describen temas actuales sociales como la pobreza y las revoluciones políticas. Sin embargo, algunas de sus cantos más populares podrían ser las versiones de villancicos y cantos navideños que han grabado. Aparte de Theron, el conjunto incluye a Rodin Kaufmann, Benjamin Novarina Giana, Denis Sampieri y Sébastien Spessa.

Origin/Based: France

Learn More: www.facebook.com/locordelaplana/

 

Mariachi Herencia De Mexico

Mariachi Herencia De MexicoMariachi Herencia De Mexico has become of the most exciting recent success stories of young Chicago musicians since it was established in the spring of 2016. The ensemble features high school students from the city’s Mexican communities to perform the classic waltzes and folk songs of their parents and grandparents’ generations. Their heartfelt vocals, interwoven guitars, brass and violins and colorful traditional costumes earned them wide audiences and prestigious accolades. Its debut, Nuestra Herencia (Our Heritage), hit #2 on the iTunes Latin chart and received a Latin Grammy nomination as Best Ranchero/Mariachi album the following year. This May, the ensemble released Herencia De La Tierra Mía (The Heritage Of My Land), a disc featuring guest appearances from such stars as singers Lila Downs and Aida Cuevas. César Maldonado, who founded the group, is also the city’s primary advocates for education in this tradition. He established the Mariachi Heritage Foundation in 2013, which presents the music as an educational program in eight public schools.

Bio in Spanish

El Mariachi Herencia De México se ha convertido en una de los historias de éxito más emocionantes de los músicos juveniles de Chicago desde que fue fundado en la primavera del 2016. El conjunto incluye estudiantes de la secundaria de las comunidades mexicanas de México, quienes tocan los valses clásicos y las canciones folclóricas de la generación de sus padres y abuelos. Sus cantos emocionantes que surgen del corazón, guitarras intercaladas, y vestuario tradicional colorido les ha ameritado un público extenso y numeroso; el mariachi ha sido aclamado por las fuentes más prestigiosos. El álbum debut, Nuestra Herencia, llegó a ser el número dos en la lista latina de iTunes y al próximo año, recibió nominación al Latin Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Rancheras y Mariachi. El pasado mayo, el conjunto lanzó Herencia de la Tierra Mía, grabación en la que participaron como invitados musicales estrellas de tal trayectoria como la cantante Lila Downs y Aída Cuevas. César Maldonado, quien fundó el mariachi, ha abogado con gran fuerza a favor de la educación de esta tradición en la ciudad. Estableció Mariachi Heritage Foundation en el 2013, por medio de la cual presenta la música como parte de programas educativos en ocho escuelas públicas.

Origin/Based: Chicago / Mexico

Learn More: www.mariachiherenciademexico.com

 

National Arab Orchestra

National Arab OrchestraFrom its founding nine years ago as a small group in Michigan, the National Arab Orchestra has expanded in size and in the scale of its mission. Now one of the premier large scale Arab music ensembles in the United States, the NAO performs a wide range of the culture’s influential compositions and provides valuable educational outreach opportunities. Founder and musical director Michael Ibrahim brings together his lengthy experience in European chamber and classical Arab music in leading the orchestra. Along with his expertise on the nay (Arab flute) and oud (Arab lute), he is also a bassoonist who holds a master’s of music degree in conducting from Wayne State University. The NAO itself includes a similar mix of instruments as musicians playing the qanun (Arab zither) and riqq (Arab tambourine) alongside Western strings and vocalists to create the kinds of cross-cultural dialogues that have become especially crucial today.

Bio in Spanish

A partir de que fue fundada hace nueve años como un pequeño grupo en Michigan, la National Arab Orchestra ha aumentado en tamaño y en escala en cuanto a su misión. Hoy día, la NAO es uno de los conjuntos a grande escala de música árabe en los Estados Unidos y presenta una serie muy extensa de composiciones culturales importantes a la par de ofrecer oportunidades educativas importantes. El fundador y director de la NAO Michael Ibrahim une su larga experiencia con música de cámara europea y música clásica árabe al dirigir la orquesta. Aparte de ser uno de los máximos exponente del nay (flauta árabe) y el laúd árabe, también es fagotista con maestría en dirección orquestal de Wayne State University. La NAO misma incluye una mezcla similar de instrumentos ya que está integrada por músicos quienes tocan el qanun (cítara árabe) y el riq (pandero árabe) al lado de músicos de cuerdas y vocalistas occidentales, todo en pos de crear el tipo de diálogo transcultural que hoy día ha cobrado suma importancia.

Origin/Based: Dearborn, MI

Learn More: www.nationalaraborchestra.org

 

Orquesta Akokán

Orquesta AkokánTaking its name from the Yoruban word that means “from the heart,” Orquesta Akokán gives a new voice to the classic Cuban big band sound. Singer José “Pepito” Gómez founded the group, which recently recorded its self-titled debut album in Havana’s historic Areito Studios. Right away, the ensemble’s lively encapsulation of mambo’s golden age received widespread acclaim. Gómez has been performing since his childhood in Cuba, but became more acquainted with this music from the 1950s after he moved to New York City in 2008. Along with pianist/composer Mike Eckroth (whose doctoral thesis was on 1940s Cuban piano music), they selected an array of musicians who are fully versed in the legacies of such bandleaders as Pérez Prado and Arsenio Rodríguez. The saxophone section features members of the pivotal band Irakere while the percussion section also worked with the modern group Los Van Van. Throughout, the orchestra’s feel for swing is irrepressible.

Bio in Spanish

La Orquesta Akokán, agrupación que toma su nombre de la palabra yoruba que significa ‘del corazón’, le ha dado una nueva voz al sonido clásico de la gran banda cubana. El cantante José Pepito Gómez fundó la orquesta, la cual recientemente grabó el álbum homónimo en los estudios Areito de la Habana. Su vibrante interpretación de la música de la edad de oro del mambo ha recibido reconocimiento extenso e inmediato. Gómez ha cantado desde su niñez en Cuba, pero se volvió mayor conocedor de la música en la década de los 50 después de que se mudó a la ciudad de Nueva York en el 2008. Junto con el pianista compositor Mike Eckroth (cuya tesis doctoral fue la música de piano de cubana de la década de los 40) ha elegido una serie de músicos quienes dominan completamente el legado musical de los directores de orquestas cubanas como Pérez Prado y Arsenio Rodríguez. En la sección de saxofones también destacan miembros de la reconocida banda Irakere; la sección de percusión también ha trabajado con el contemporáneo grupo de Los Van Van. En todos los sentidos, el swing de esta orquesta es incontenible.

 

Pachanga DJs

Chicago’s Pachanga DJs—Memo Duarte and Roger McFly—blend a range of Latin dance sounds to parties and events throughout the city. This past summer, their mix of cumbia, merngue, norteñas and hip hop was a highlight at the LatiNxt Festival for new Latin music at Navy Pier. Pachanga has also curated teams of DJs at such popular events as the Wicker Park Fest.

 

Quantic

QuanticQuantic is the alter ego of Britain-born Brooklyn-based producer, d.j. and multi-instrumentalist Will Holland who also leads the jazz funk band Quantic Soul Orchestra. A global sound collector, his extensive library of 45s and albums have also shaped his own productions. His 2006 disc I’m Thankful was a collaboration with American soul singer Spanky Wilson. As he’s drawn influence from salsa and cumbia, his six years living in Colombia yielded the 2014 disc, Magnetica. That album blended the country’s folkloric instruments and rhythms with his own electronic investigations. Guests like Colombian singer/teacher Nidia Góngora added their intuitive take on these traditions. His other collaborators have also included Uruguayan singer/songwriter Jorge Drexler and Chilean vocalist Ana Tijoux.

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Quantic es el alter ego del Dj/Productor multi instrumentista Will Holland nacido en Britania y hoy día basado en Brooklyn, quien también dirige la banda de funk jazzista Quantic Soul Orchestra. Coleccionista de sonidos globales, su biblioteca extensa de discos en vinilo también ha forjado sus producciones. Su grabación del 2006 I’m Thankful fue una colaboración con Spanky Wilson, cantante norteamericano de soul. A la par de influencias de la salsa y la cumbia, los seis años que vivió en Colombia fundamentaron su grabación Magnética del 2014. Dicho álbum mezcló los instrumentos folclóricos del país y ritmos en su propia exploración electrónica, con invitados tales como la cantante y maestra colombiana Nidia Góngora quienes añadieron sus propias interpretaciones intuitivas a estas tradiciones. Sus colaboradores han incluido además otros artistas tales como cantautor uruguayo Jorge Drexler y la vocalista chilena Ana Tijoux.

Learn More: quantic.org I twitter.com/quanticmusic I soundcloud.com/quantic

 

Quique Escamilla

Quique EscamillaCanadian musician Quique Escamilla had already built up a world of experiences when he arrived in the country 11 years ago. The Toronto-based songwriter/multi-instrumentalist grew up in Chiapas, Mexico, and has been singing since he was four years old. He took traditional Mexican music with him when he moved up north, especially such styles as ranchera and huapango. He added in rhythms from across Latin America and the Caribbean—such as cumbia and ska—which inform his politically engaged rock songs. Escamilla’s lyrics describe such issues as environmental preservation and for the rights of indigenous peoples. But he also knows how to have fun, especially on his “Huapango Del Tequila,” which celebrates Mexico’s famous beverage. In 2014, he released the disc 500 Years Of Night and said the title refers to 500 years of colonization in the Americas. Escamilla’s accolades includes winning the 2015 Canadian JUNO Award for World Music Album Of The Year.

Bio in Spanish

El músico canadiense QuiQue Escamilla ya había acumulado un mundo de experiencias cuando llegó a ese país hace 11 años. El cantante actor y cantautor multi instrumentista se crió en Chiapas, México y ha cantado desde que tenía cuatro años de edad. Al mudarse al norte, llevó consigo su música tradicional mexicana, sobre todo estilos tales como la ranchera y el huapango, a los que añadió ritmos de Latinoamérica y del Caribe, tales como la cumbia y el ska. Todos estos ritmos nutren sus canciones rockeras y comprometidas. Las letras de las canciones de Escamilla se dirigen a temas como la preservación del medio ambiente y también derechos de los pueblos originarios. Sin embargo, también sabe cómo divertirse, por ejemplo, su “Huapango del Tequila” celebra la famosa bebida mexicana. En el 2014, lanzó el disco 500 Years of Night. Escamilla explica que el título se refiere a los 500 años de colonización en las Américas. Entre otros premios, en el 2015, Escamilla fue otorgado el premio canadiense Juno por Mejor Álbum de Música del Mundo.

Learn More: www.quiqueescamilla.com I www.facebook.com/quiquesband I twitter.com/QuiqueEscamilla I www.instagram.com/quique_escamilla/

 

Rio Mira

Rio MiraRio Mira takes its name from the Mira River, which flows between Ecuador and Colombia. Based in the Ecuadoran town of Esmeraldas, this group’s music navigates a similar path. In particular, Rio Mira celebrates music that connects the region’s Pacific Coast and its strong retentions from Africa. This was an area that escaped slaves (often called cimarrones) had made their hideout since 1700s. Percussion drives much of the ensemble’s music: usually two wooden marimbas (similar to xylophones) are performed alongside an array of drums and shakers. Its amazing vocals—which are sometimes a cappella or feature stirring call-and-response patterns—are emphasized just as much. Lead singer Karla Kanora’s wide range and dramatic delivery usually becomes the focus. Rio Mira released its debut disc, Marimba Del Pacifico, in 2017. The album contains the ensemble’s versions of religious and ritual music, as well as Ecuadoran poet Jalisco González’s “Agrandao,” which describes connecting with his ancestors.

Bio in Spanish

Rio Mira toma su nombre del Río Mira que fluye entre Ecuador y Colombia. Basado en el pueblo ecuatoriano de Esmeraldas, la música de este grupo navega un camino similar al río. En particular, Rio Mira celebra la música que une la región de la costa del Pacífico y sus fuertes nexos con África. Esta fue una zona a la que las personas esclavizadas que lograron escapar (a quienes frecuentemente se les denomina ‘cimarrones’) han huido desde el siglo XVIII. La percusión impulsa mucho de la música de el conjunto; normalmente dos marimbas de chonta (similares a los xilófono) se tocan al lado de una gran serie de tambores y especies de maracas. Cantos increíbles, que pueden ser a capela o en conmovedores patrones de llamada y respuesta, también son fundamentales al género. Las composiciones normalmente se centran en la cantante principal Karla Kanora, dotada de una voz un rango extenso y dramáticos. Río Mira lanzó su grabación debut Marimba Del Pacífico en el 2017, la cual contiene versiones de música religiosa y ritual, y también “Agrandao”, tema compuesto por el poeta ecuatoriano Jalisco González en el cual describe su conexión con los ancestros.

Origin/Based: Ecuador / Colombia

Learn More: www.facebook.com/RioMiraMarimba/

 

Sona Jobarteh

Sona JobartehGambian virtuoso musician Sona Jobarteh comes from a long line of expert 21-string kora players. But as much as this heritage has been passed through the generations of her griot family, she also broke with tradition in excelling at an instrument that has long been considered exclusively for men. That’s not the only way that she has challenged expected norms. She also learned how to play the cello, piano and harp as a child and then studied the Western classical repertoire at England’s Royal College Of Music. As a member of her brother Tunde Jegede’s ACM Ensemble, she toured the world with a host of global musicians. In 2010, Jobarteh composed the score to the film The Motherland, which featured her own invention, the nkora, which combined a kora with the ngoni (West African lute). The following year, she released her debut disc, Fasiya (Heritage), which combines a range of acoustic strings and electric guitars. Her songs advocate for women’s rights across Africa and for unity among the young generation of Africans.

Bio in Spanish

La virtuosa Sona Jobarteh proviene de un largo legado familiar de artistas de Gambia quienes son grandes maestros en el arte de tocar la kora de 21 cuerdas. Pero aunque este patrimonio se ha pasado a través de generaciones de su familia de griots, ella también ha roto con la tradición logrando excelencia en un instrumento que durante mucho tiempo se había considerado dominio exclusivo de los hombres. Y esa no es la única manera en la cual ella ha presentado retos a diversas normas societales. De niña, también aprendió a tocar el violonchelo, piano y arpa y posteriormente estudió el repertorio clásico occidental en Royal College Of Music de Inglaterra. Como integrante del conjunto ACM de su hermano Tunde Jegede, viajó por el mundo con un grupo de músicos globales. En el 2010, Jobarteh compuso la banda sonora de la película “The Motherland”, en la cual destacó su propia invención, un instrumento llamado “nkora”, el cual combina la kora con el ngoni (luta del África occidental). El próximo año lanzó su disco debut, Fasiya (Patrimonio), el cual combina varias guitarras de cuerda acusticas y electricas. Sus canciones abogan a favor de los derechos de las mujeres en toda África y a favor de la unidad entre la generación joven del continente.

Origin/Based: United Kingdom

Learn More: www.sonajobarteh.com I www.facebook.com/sonajobarteh I twitter.com/SonaJobarteh I www.youtube.com

 

Spiro

SpiroSprio’s music is often described as minimalist, but its sparse approach to chords and key changes derive from a wide range of idioms and influences. British classically trained violinist Jane Harbour founded the group in 1993 after meeting mandolinist Alex Vann, guitarist Jon Hunt and accordion player Jason Sparkes at traditional music jam sessions in Bristol, England. While Sparkes also came from a classical background, Vann had been a punk rock drummer and Hunt had similar experiences before they delved into folk music. For the past 25 years, Spiro’s six albums combine original compositions with frequently dark-themed northern British folk tunes. Through it all, Spiro emphasizes phrases and motifs that repeat and subtly shift as the group’s emphasis on atmosphere reveals hidden beauty at the heart of its performances. Harbour described her process on the group’s label’s web site (Real World Records: “When creating a track from a traditional tune I’ll first set up a kind of Spiro dating agency. Hopeful bright pure English melodies are introduced to a suspect array of moody edgy riffs. I’m looking for that Happy Accident—or should I say that Beautiful Uncomfortable Accident—a chemistry between the two that’s just right.”

Bio in Spanish

La música de Spiro se considera minimalista, pero su metodología austera y los acordes y los cambios de clave y tono se derivan una serie muy extensa de influencias. La violinista británica Jane Harbour, capacitada en el ámbito clásico, fundó el grupo en 1993 después de conocer en sesiones improvisadas en Bristol, Inglaterra al mandolinista Alex Vann, al guitarrista Jon Hunt y al acordeonista Jason Sparkes. Aunque Sparkes también provenía del ambiente de la música clásica, Vann había sido baterista de rock punk y Hunt tenía antecedentes similares antes de que profundizaran en la música folclórica. Por los últimos 25 años, Spiro ha grabado seis álbumes que combinan composiciones originales con canciones folclóricas inglesas de temas oscuros. A través de todo esto, Spira enfatiza frases y motifs que se repiten y que cambian de manera sutil mientras crean una atmósfera a través de la cual revelan la belleza oculta en el corazón de su música. Harbour ha descrito su proceso en el sitio web del sello disquero de la banda, Real World Records, como si el conjunto fuera una especie de ‘celestina’ musical; explica que al crear una canción basada en la tradición, a las melodías puras y vibrantes plenas de esperanza les presenta una sospechosa serie de tonadas temperamentales en búsqueda de encontrar un accidente feliz, o “el accidente incómodo y bello”, o sea, el momento en el que la química entre las dos partes tan diferentes se torne perfecta.

Country of Origin/Based: United Kingdom

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Zhou Family Band

Zhou Family BandMusic is more than the destiny for the members of the Zhou Family Band. For seven generations, this ensemble has performed traditional music as part of the rituals of the central eastern Chinese Anhui Province. These centuries-old rituals include celebrations for births, weddings and ceremonies that declare devotion to their ancestors. The group’s lively music matches the boisterous themes of these events. Some of its instruments would be familiar to international audiences, such as its gongs and drums. But the Zhou Family also features the sheng (a mouth-blown free reed) and xiao (a vertical flute). Dancers and acrobats often accompany the musicians. Zhou Jingzhi, who founded the band, performed in the Royal Court during the Qing Dynasty. Although this monarchy ended in 1912, the strength of its music has endured within modern China’s numerous changes. More than 100 members of the family are active today in its hometown of Lingbi.

Bio in Spanish

La música es el destino y mucho más para las miembros de la Zhou Family Band. A lo largo de siete generaciones, este conjunto ha tocado la música tradicional como parte de los ritos de la provincia central oriental Anhui de la China. Estos ritos que datan de hace siglos incluyen celebraciones para los nacimientos, las bodas y las ceremonias que declaran la devoción a los ancestros. La música vital de el grupo está a la par de los temas celebratorios y ruidosos de estos eventos. Algunos de los instrumentos, tales como los gongs y los tambores, son familiares a públicos internacionales, más Zhou Family también utiliza el instrumento del sheng (una especie de flauta) y el xiao (flauta vertical). Danzantes y acróbatas también frecuentemente acompañan a los músicos. Zhou Jingzhi, quien fundó el conjunto, tocó en la Corte Real durante la dinastía Qing. Aunque la monarquía concluyó en 1912, la fuerza de su música ha perdurado a pesar de cambios numerosos en el panorama de la China moderna. Más de 100 miembros de la familia siguen activos el día de hoy en su pueblo natal de Linghi.

Origin/Based: China

 

 

RagaMala

Returning for its sixth year, RagaMala offers an all-night celebration of Indian classical music and dance. For more than 15 hours, audiences will hear ragas from throughout the country, some of which are only performed in twilight hours. Along with classical compositions, new works will be included. Yoga and meditation sessions are also part of this marathon event. The performers are:

Bio in Spanish

En su sexta edición, Ragamala ofrece de nuevo una celebración de la música y la danza clásica de la India que dura toda la noche. Por más de 15 horas, el público escuchará ragas de todas partes del país, algunas que solamente se tocan durante en los atardeceres o amaneceres. Junto con composiciones clásicas, también se incluyen nuevas nuevas obras. La yoga y una sesión de meditación son también parte de este evento maratónico. Los artistas quienes participan en Ragamala son los siguientes:

Beats and Pieces

Beats and PiecesHindustani tabla player Anubrata Chatterjee conceived of Beats and Pieces as a means of performing short—15 to 20 minute—segments of Indian classical music. He has said that the idea is to succinctly introduce the sounds to audiences that may be uninitiated and have not experienced typically lengthy concerts. Chatterjee includes narration to describe the works. This idea is an offshoot of his educational initiatives, which includes leading workshops throughout the world. For this performance, the group will include his father, Anindo Chatterjee, who is one of India’s most celebrated veteran tabla masters.

Bio in Spanish

El artista de tabla indostaní Anubrata Chatterjee concibió de Beats and Pieces como una manera de tocar ‘breves’ segmentos de música clásica de la India, en otras palabras, que duran de quince a veinte minutos. Ha comentado que la idea era poder presentar estos sonidos de manera sucinta a públicos que quizá desconocieran la música y que normalmente no experimentaran conciertos sumamente largos. Chatterjee incluye una narración para describir las obras. La idea de este tipo de presentación surgió de sus iniciativas educativas, las cuales incluyen impartir talleres en todas partes del mundo. Para esta actuación, el grupo incluye su padre, Anindo Chatterjeee, quien es uno de los más maestros más celebrados de la tabla de toda la India.

 

Anupama Bhagwat

Anupama BhagwatEver since Anupama Bhagwat became an accomplished Hindustani sitar player, she has broken past all kinds of assumptions while adhering to Indian classical music traditions. While she received attention for being one of the few prominent women to play her instrument, she won over all audiences for her remarkable fluidity. That virtuosity came after studying since her childhood in the town of Bhilai and under the teachings of Pandit Shri Bimalendu Mukherjee. Along with concerts, she conducts lecture demonstrations throughout the world.

Bio in Spanish

Desde el momento en el que Anupama Bhagwat se volvió maestra en el arte de tocar la cítara, ha roto con todo tipo de esquemas sin perder la vista da las tradiciones de la música clásica de la India. Aunque recibió atención por ser una de las pocas mujeres que se considera verdaderamente dominan el arte de su instrumento, se ha ganado el reconocimiento de un público vasto debido a su increíble fluidez. Logró ese nivel virtuosidad a través de estudios desde su niñez en el pueblo de Bhilai y bajo la enseñanza de Pandit Shri Bimalendu Mukherjee. A la par de los conciertos, ella realiza presentaciones ilustradas con ejemplos musicales en todas partes del mundo.

 

Anandi Bhattacharya, Debashish Bhattacharya, Subhasis Bhattacharya

Debashish BhattacharyaDebashish Bhattacharya has honored his musical heritage through invention. He created the Hindustani slide guitar, which is similar to the structure of a Hawaiian lap steel guitar and played with similar techniques. Bhattacharya uses a metal bar to slide across the fretless neck to perform ragas that he’s heard since growing up in Calcutta. Reaching out to other musical languages, he collaborated with jazz guitarist John McLaughlin and dobro player Jerry Douglas for the album Beyond The Ragasphere. During his set, his group will include his vocalist daughter Anandi Bhattacharya and his brother tabla player Subhasis Bhattacharya. Both of them also appeared on his album Madeira: If Music Could Intoxicate. While Anandi is also deeply versed in different schools of classical Indian music, she draws inspiration from popular Bollywood musicals. Subhasis Bhattacharya is renowned across India for leading percussion ensembles that recombine his instrument’s rhythmic and melodic voices and he also works regularly in the country’s recording studios.

Bio in Spanish

Debashish Bhattacharya ha honrado su herencia musical a través de la invención. Inventó una guitarra especial indostaní, quien tiene la estructura similar a la guitarra hawaiana y de hecho, se toca de manera similar. Bhattacharya usa una barra metálica que se desliza sobre el cuello sin trastes para tocar los ragas que escuchaba en Calcuta en su niñez y juventud. También se ha nutrido de otros idiomas musicales en colaboraciones con el guitarrista John McLaughlin y el artista de dobro Jerry Douglas para el álbum Beyond the Ragasphere. Durante su actuación en Ragamala, el conjunto incluirá su hija y vocalista Anandi Bhattacharya y su propio hermano y artista de tabla Subhasis Bhattacharya quienes también participaron también en dicha grabación. Aunque Anandi tiene una formación extensa y profunda en las diferentes escuelas de música clásica de la India, su música se inspira en las populares películas musicales de Bollywood. A Subhasis Bhattacharya también se le conoce en toda la India por ser líder de conjuntos de percusión que combinan las voces rítmicas y melódicas de su instrumento. También trabaja de manera regular en las estudios de grabación de su país.

Learn More: www.debashishbhattacharya.com I www.facebook.com

 

Swapan Chaudhuri

Tabla virtuoso Swapan Chaudhuri has been studying his instrument under the guidance of Indian maestros since his childhood in Calcutta. He became a professional musician after receiving mentorship from sarod master Ali Akbar Khan. His global appearances have included solo concerts as well as accompanying sitar and sarod players from across India. Among his numerous cross-cultural performances, he played on the title track of Stevie Wonder’s 2005 album, A Time 2 Love. Chaudhuri has served as department chairperson of the World Music Program at the California Institute of the Arts in Los Angeles.

Bio in Spanish

El virtuoso de la tabla Swapan Chaudhuri estudió el arte de su instrumento desde niño con maestros en Calcuta. Se volvió músico profesional después de haber recibido capacitación del maestro de sarod Ali Akbar Khan. Sus actuaciones internacionales han incluido no solo conciertos como solista sino que también ha acompañado a artistas de la cítara y del sarod de toda la India. Entre sus numerosas actuaciones transculturales, tocó en la canción titular del álbum de Stevie Wonder del 2005, A Time 2 Love. Chaudhuri también ha fungido como director del departamento de Música del Mundo en California Institute of Arts en Los Angeles.

Learn More: www.swapan.com I www.facebook.com/wix

 

Abhisek Lahiri

Abhisek LahiriOne of the youngest contemporary maestros of the Hindustani sarod, Abhisek Lahiri continues to devise new ways of playing its strings. After extensive training since childhood, he has combined unexpected chords to continually unleash surprising notes and musical phrases. Lahiri is also collaborates frequently with Japanese guitarist Hideaki Tsuji and they formed the transnational group Ionah.

Bio in Spanish

Uno de los maestros más jóvenes contemporáneos del sarod indostaní, Abhisek Lahiri sigue inventando nuevas maneras de tocar sus cuerdas. A partir de una capacitación extensa en la niñez, ha llegado a combinar acordes inesperados para continuamente liberar notas y frases musicales sorpresivas. Lahiri también colabora frecuentemente con el guitarrista japonés Hideaki Tsuji y juntos fundaron Ionah, banda transnacional.

 

Ganesh Rajagopalan

Ganesh RajagopalanCarnatic violinist and vocalist Ganesh Rajagopalan has been immersed in Indian classical music since he was a child prodigy and later years playing with such masters as tabla virtuoso Zakir Hussain. But his strong promotion of this heritage has not prevented him from expanding its scope. His piece “Milky Way” is one example of his fusion blends his instrument with electronic effects. Another of his concepts, Ragapravaham, is a new means of performing ragas without lyrics. Rajagopalan also performs String Sings, which is his group’s repertoire of Tamil film music. Alongside Rajagopalan’s global concerts and educational initiatives, he has also launched “Swara Yoga,” which is mantra for yogic meditation.

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El violinista y vocalista carnático Ganesh Rajagopalan ha estado inmerso en la música clásica de la India desde que era prodigio infantil y posteriormente, ya mayor, compartiendo escenario con maestros de gran trayectoria como el virtuoso de la tabla Zakir Hussain. Más su compromiso de impulsar fuertemente su legado musical no ha evitado que extienda los parámetros de la tradición. Su obra “Milky Way” es un ejemplo la fusión de los sonidos de su instrumento con efectos electrónicos. Otro de sus conceptos, Ragapravaham, es una nueva manera de tocar los ragas sin incorporar palabras. Rajagopalan también presenta en conciertos String Sings, repertorio de bandas sonoras de películas en Tamil. A la par de sus conciertos globales e iniciativas educativas, también lanzó “Swara Yoga”, mantra para la meditación de yoga.

 

Saraswathi Ranganathan

Sara RanganathanChicagoan Sara “Saraswathi” Ranganthan plays the Carnatic (southern Indian) veena. The stringed veena is known in India for its warm bass tones and Ranganthan started studying it at the age of six. More recently, Ranganthan has brought the instrument to a multitude of collaborations. These include her “Refreshing Raga Blues,” which combines her ancient Indian instrument with flamenco guitar and the familiar sound of her Midwestern city. She has also worked with jazz musicians and West African drummers. Ranganathan’s theatrical work includes performing in off-Broadway productions of the popular musical, The Jungle Book. Along with performing, she has also taught the veena in college campuses and educational workshops.

Bio in Spanish

La chicaguense Sara Ranganathan toca la vina carnática del sur de la India. La vina, instrumento con cuerdas se conoce en la India por sus sus tonos bajos, cálidos y profundos. Rangathan comenzó sus estudios de la vina a los seis años de edad. Recientemente, Rangathan ha incorporado su instrumento en una multitud de colaboraciones, las cuales incluyen su “Refreshing Raga Blues”, en el que combina ese instrumento antiguo de la India con la guitarra flamenca y los sonidos conocidos de su ciudad del medio oeste. También ha trabajado con músicos de jazz y con percusionistas de la África occidental. Las obras teatrales de Rangathan incluyen su participación en producciones off-Broadway de la popular obra de teatro musical, The Jungle Book. A la par de de sus presentaciones musicales, también ha enseñado cómo tocar la vina en talleres educativos y a nivel universitario.

 

 

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